El último refugio

“No eres realmente una estrella hasta que conocen tu nombre en Karachi.”

Humphrey Bogart

 

 

 

Año: 1941.

Director: Raoul Walsh.

Reparto: Humphrey Bogart, Ida Lupino, Joan Leslie, Henry Travers, Arthur Kennedy.

Tráiler

 

 

            El último refugio es la obra que lanzaría definitivamente al estrellato  a Humphrey Bogart –en un papel que, por cierto, había rechazado George Raft, la primera opción del estudio-, el que sería el mayor icono del Hollywood clásico y una de las figuras más carismáticas, sino el que más, de todo el Séptimo Arte.

             La película narra las andanzas de un gángster de la vieja escuela (Bogart), duro, que no se casa con nadie y con algún fantasma del pasado; recién salido de penitenciaría y que vuelve al negocio para robar las joyas de un hotel de lujo de Los Ángeles, cuyos preparativos tendrá que desarrollar con unos jóvenes e inexpertos socios, mujer (Ida Lupino, buena réplica de Bogey) y perro gafe incluidos, en una cabaña a los pies del Monte McKinley.

             El film presenta algunos claros defectos que provocan un envejecimiento acentuado de la película, como unas cursis y manidas escenas cómico-bucólicas impostadas y con una banda sonora muy poco adecuada y, en la primera mitad, una tontorrona historia de amor y posible redención del gángster con la nieta tullida de una alegre familia de rednecks -que, no obstante, ofrece a la postre un giro argumental inesperado, potente y realmente suculento-, que parecen distraer de la acción principal y en principio más interesante: los preparativos del robo y a Bogart en su faceta más ruda e implacable, comiéndose la escena con su sola presencia.

A ello hay que añadir un guion sólido, con unas frases contundentes meritorias y una buena carga de sentimiento trágico, unas loables escenas de persecución, rodadas con enorme vigor por Raoul Walsh –paradigma del clasicismo americano por su combinación de sentido narrativo, espectacularidad y sensible humanismo, cosa que ejemplifica a la perfección esta película-, y un final emocionante y épico pese a ser ligeramente previsible.

             Todo esto hace que finalmente sea una obra que aún merezca la pena ver, sobre todo por el poderoso trabajo de un grande como Bogey.

 

Nota IMDB: 7,6.

Nota FilmAffinity: 7,9.

Nota del blog: 7,5.

Adiós pequeña, adiós

«Ben Affleck es a la buena interpretación lo que un pepinillo cocido a la alta cocina.»

Antonio Gasset

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 Año: 2007.

Director: Ben Affleck.

Reparto: Casey Affleck, Michelle Monaghan, Ed Harris, Amy Ryan, Morgan Freeman.

Tráiler

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           Ben Affleck decidió probar suerte en la dirección con Adiós pequeña, adiós tras una carrera en la actuación de relativo éxito ocasional y frecuentes malas críticas y tras un Oscar al mejor guion original por El indomable Will Hunting al alimón con su compinche, el también mal actor Matt Damon.

           Tras una introducción de aparente humanismo cálido y pretendidamente sentimentaloide, enseguida se propone la contradicción al mismo y en la que se basará la película: el terrible secuestro de una niña de cinco años en un barrio deprimido de Boston, en cuya investigación participará una peculiar pareja de detectives privados -el hermanísimo Casey Affleck, en su papel habitual de contradicción entre apariencia inocente y carácter fuerte, y la cándida Michelle Monaghan- que fundamentan sus recursos en el conocimiento del barrio y sus gentes, además de colaborar con el veterano jefe de la sección de protección del menor de la policía (Morgan Freeman), que sufrió en sus propias carnes la trágica pérdida de su hija, y de dos curtidos inspectores –John Ashton y Ed Harris, muy bien, para variar-, un reparto que busca reforzar el realismo de la obra sobre todo por unos secundarios y extras que se alejan de los cánones de habituales de belleza de las producciones de Hollywood, así como de una realización decente a cargo del novel Affleck, que observa con atención y detalle el carácter y la vida de las calles de la ciudad.

           El film muestra sus puntos fuertes en una intriga aseada y cuidadosamente dosificada, adaptación del libro Desapareció una noche de un clásico moderno de la novela negra como Dennis Lehane (Mystic River, Shutter Island), unas actuaciones solventes y, sobre todo, en el planteamiento de interesantes dilemas morales, entre hacer lo debido y hacer lo correcto, entre lo correcto y lo lógico.

Prometedor debut de Affleck, luego confirmado por The Town (Ciudad de ladrones).

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Nota IMDB: 7,9.

Nota FilmAffinity: 6,9.

Nota del blog: 7.

Salidos de cuentas

«Hacer comedias es mucho más difícil y exigente que hacer dramas.»

Hugh Grant

 

 

 

Año: 2010.

Director: Todd Phillips.

Reparto: Robert Downey Jr., Zach Galifianakis, Michelle Monaghan, Jamie Foxx, Juliette Lewis.

Tráiler

 

 

           Tras el éxito de la divertida y bien llevada Resacón en Las Vegas, Todd Phillips buscó repetir éxito en una nueva road movie cómica, género al que tiende con facilidad tras Viaje de pirados, su debut en el cine de humor, y la anteriormente mencionada.

           Salidos de cuentas es una película que pretende explotar el punch cómico de dos actores hábiles en el terreno como Robert Downey Jr. y el peculiar gordo y barbudo Zach Galifianakis, compañero de merecido éxito en Resacón en Las Vegas, con un tema tan tradicional como el de la confrontación de personalidades opuestas, relación en la que el tipo serio y estirado -en este caso un comedido Downey Jr.- se ve invadido por el caos de un estúpido inconscientemente peligroso –Galifianakis en un papel similar de freak de estrafalaria inocencia-, un tipo de comedias en las que el mejor ejemplo sería la excelente película francesa La cena de los idiotas, para hacerse una idea. Son, de este modo, una extraña pareja que deberá conducir de costa a costa para llegar a tiempo al nacimiento del hijo del primero, sorteando todo tipo de pruebas y de cameos de actores conocidos, incluido el propio director.

           Pese a repetir estructura –viaje del héroe/s enfrentándose a adversidades para llegar a la meta acechado por el tiempo- y la siempre curiosa presencia de Galifianakis, sumado al buen hacer habitual de Downey Jr., Salidos de cuentas resulta una comedia en la que se encuentran menos carcajadas de las esperadas –sólo se contabilizaron un par de ellas- y unas cuantas sonrisas tibias, aunque sin llegar a las muecas de desagrado ni a los suspiros de excesivo aburrimiento; con un tono fláccido debido a la falta de sorpresa, acidez o de gamberrismo –sobre todo echando la vista atrás a otras obras del director- que hace que la película ni llegue a satisfacer ni llegue tampoco a irritar. 

 Floja y punto.

 

Nota IMDB: 6,7.

Nota FilmAffinity: 5,8.

Nota del blog: 4,5.

Un mundo perfecto

“Eastwood es un tipo inútil, un orangután absoluto que no sabe ni donde colocar la cámara.”

Jean-Luc Godard

 

 

 

Año: 1993.

Director: Clint Eastwood.

Reparto: Kevin Costner, T.J. Lowther, Clint Eastwood, Laura Dern.

Tráiler

 

 

           Clint es un tipo con clase, un autor auténtico con un sentido del cine que remite a los clásicos, un puro narrador de historias que ha sabido aprender de todos aquellos directores con los que colaboró en su etapa de actor –Siegel, Sturges, Leone– y adoptar lo mejor de cada uno, puliendo su estilo mediante una continua e incansable actividad.

            Un año después de alcanzar el reconocimiento de la Academia con Sin perdón, su obra maestra y uno de los mejores western de la historia,  Eastwood enfocaba su cámara en el viaje iniciático de un niño retraído en la Texas de inicios de los sesenta que descubrirá el mundo y la vida al lado de un preso fugado (Kevin Costner), en huida hacia un mundo mejor.

            El viejo Clint hace gala de todo su saber y eleva la sencillez y la sutileza a la categoría de arte, con un guion soberbio –firmado por John Lee Hancock, que colaboraría también con Eastwood en la notable Medianoche en el jardín del bien y del mal– que dota de una tremenda sensibilidad a esa salida del cascarón, a la intensa y a la vez delicada relación de complicidad y la evolución de la misma entre ese niño y el preso, también víctima de una infancia robada por la ausencia de afecto paterno y que representará a su vez la figura del padre que falta en su vida. Una obra que es, de igual manera, un vitalista canto a la libertad.

          Eastwood compone una historia narrada sin estridencias –de ahí que injustamente se acuse a Clint, al igual de por no tomar mayor parte en el guion de sus historias, de poco intervencionista e impersonal-, con unos personajes perfectamente dibujados, trazados con mimo y con total veracidad –hasta Costner está espectacular, algo de bueno tendrá Eastwood como director de actores-, con espacio, como en la vida misma, para el humor, el drama, el patetismo y la dignidad; con un sentido del ritmo envidiable, agilizando la película con una trama secundaria más ligera, la de la persecución del convicto por un anticuado ranger y una recién llegada criminóloga, en la que el propio director se reserva un jugoso personaje un tanto autoparódico o justificativo, jugando con esa contradicción entre lo antiguo y lo moderno, lo machista retrógrado y el feminismo y la liberación de la mujer que se iniciaba en los sesenta.

           Otra obra maestra, mi favorita precisamente tras Sin perdón de entre las que han contado con Clint tras la cámara.

Qué equivocado estaba el pedante de Godard.

 

Nota IMDB: 7,3.

Nota FilmAffinity: 7,4.

Nota del blog: 10.

Cazador a sueldo

«Steve es el prototipo de hombre cool americano. Es el tipo sobre el caballo, el tipo solitario. Tiene su propio código de honor, su propio código ético, sus propias reglas de vida. Él jamás trata de impresonar a las mujeres, pero siempre consigue a la chica.»

Donal Logue

 

 

 

Año: 1980.

Director: Buzz Kulik.

Reparto: Steve McQueen, Kathryn Harrold, Eli Wallach, Richard Venture, LeVar Burton.

Tráiler

 

 

           La última película de Steve McQueen, representación de la esencia de lo cool de los años sesenta y setenta, llevaría a la gran pantalla la vida de Ralph “Papa” Thorson -que tiene un cameo en el film-, un veterano y duro caza recompensas, una antigualla andante por el que los avances del siglo XX no parecen haber pasado y que ha de alternar su arriesgada y pesimista vida con su cercana paternidad y las expectativas de cambio en sus hábitos que ello conlleva.

           Cazador a sueldo es un thriller muy en la línea que llevaba el cine de acción de su época, con persecuciones y explosiones que iban escalando progresivamente en espectacularidad y con una acción trasladada, para mayor realismo, a las calles, gentes y argot de Estados Unidos y explorando los bajos fondos de la sociedad americana y sus controversias en temas de razas, sexualidad, marginalidad, delincuencia, etc.; una película realizada en este caso con una factura deudora del medio televisivo, de donde procedía el director Buzz Kulik, que acomete un guion poco desarrollado, lo que deja al film bastante cojo, justito en intensidad y emoción, aunque no exento de algunas escenas de interés –la persecución por el maizal, por ejemplo- y, sobre todo, con el magnetismo siempre presente que McQueen aporta a cada escena, si bien no es ni de lejos su mejor trabajo.

           Una obra que podría haber dado para muchísimo más por temática y por la presencia del carismático actor.

 

Nota IMDB: 6,1.

Nota FilmAffinity: 6,1.

Nota del blog: 6. 

Conan el bárbaro

«- ¿Y tú Conan, qué crees que es lo mejor de la vida?

– Aplastar enemigos, verlos destrozados y escuchar el lamento de sus mujeres.»

Conan (Conan el bárbaro)

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Año: 1982.

Director: John Milius.

Reparto: Arnold Schwarzenegger, Sandahl Bergman, James Earl Jones, Gerry López, Mako, Max von Sidow.

Tráiler

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            Conan, quintaesencia del cine de espadas y brujerías, del cual establece su base iconográfica, y que tan de moda iba a estar por estos tiempos. La película que catapultó al estrellato a Arnold Schwarzenegger.

            Conan el bárbaro es una adaptación bastante libre del popular personaje creado por Robert E. Howard, una visión de un mundo barbárico, mezcla de mitologías germánicas y sagas nórdicas –no en vano la película abre con una cita de Nietszche, filósofo siempre ligado a esa idea de superhombre luego apropiada por el nazismo- dominado por la guerra y el fanatismo y en el que el valeroso Conan pasará de heredero de Aquilonia a esclavo, gladiador, ladrón y libertador en su búsqueda de venganza contra el malvado y enigmático Tulsa Doom (James Earl Jones) –personaje tomado de otra mitología similar, Kull el conquistador– poderoso líder del culto a la serpiente. Un viaje heroico en el que Conan conocerá la aventura, el peligro, la amistad, el amor, la muerte.

            Con un guion escrito a cuatro manos por un joven Oliver Stone y el propio director, que dejará su huella de admiración por el ardor guerrero y su toque ligeramente fascista -luego parodiado en el Walter Sobchak de El gran Lebowski– y que crea una película pretendidamente hiperbólica, parca en palabras pero tremendamente expresiva visualmente, con tono épico del todo conseguido a través de poderosas imágenes –algunas de ellas rodadas en Segovia y Cuenca– y, sobre todo, realzada por el apoyo de una banda sonora inconmensurable, que sostiene todo el film, a cargo de Basil Poledouris; virtudes que permiten superar ciertas rémoras como excesos propios de la época como las cortinillas laterales, algunas tomas al ralentí o detalles estéticos de marcado regusto kistch –malditos ochenta- o un nivel interpretativo general bastante bajo –no en vano la mayoría de actores principales eran noveles en la gran pantalla, como el surfista Gerry López, la bailarina Sandahl Bergman o el pizpireto Jorge Sanz, que nunca pudo repetir una actuación de este nivel ni llegó a ser tan alto como Chuache-.

Contaría con una segunda parte cuyo nivel caería en picado.

 

Nota IMDB: 6,8.

Nota FilmAffinity: 6,6.

Nota del blog: 9.

La soledad del corredor de fondo

«All in all it was all just bricks in the wall.»

Pink Floyd

 

 

 

Año: 1962.

Director: Tony Richardson.

Reparto: Tom Courtenay, Michael Redgrave, Avis Bunnage, James Bolam, Topsy Jane.

 Tráiler

 

 

          Alrededor de las décadas de 1950 y 1960, el desmembramiento del Imperio Británico y la decadencia y descontento general de la sociedad británica, más la influencia de movimientos del continente como la Nouvelle Vague francesa, van a ser el factor desencadenante para la aparición de una nueva manera de hacer cine en el Reino Unido, el denominado Free Cinema de los Angry Young Men, la “generación del fregadero de la cocina” –nombre procedente de la aspiración realista de sus obras, que no ahorra en mostrar los espacios más miserables y nunca vistos de la sociedad británica-; una nueva hornada de cineastas que propone, desde el manifiesto de Lindsay Anderson de 1958, una nueva visión del cine, con películas pequeñas que se mueven al margen de las grandes productoras y que abogan por un mayor realismo y mayor compromiso, con preponderancia por el mundo obrero frente a la anterior preeminencia de la aristocracia, con denuncia social,… además de una ligera renovación formal y ciertas pretensiones de autoría en sus obras.

           De esta generación, Tony Richardson será el que mayor carga literaria vuelque en sus obras, así como el de mayor preocupación social. La soledad del corredor de fondo es su obra más reconocida. Basada en una novela corta de Alan Sillitoe, escritor también vinculado al movimiento de los Angry Young Men, la película describe la vida del joven Colin Smith (Tom Courtenay, que clava el personaje), internado en un reformatorio y que encuentra corriendo el desahogo contra sus frustraciones, contra una familia desestructurada, contra el rígido y opresivo establishment británico, contra la masa, marioneta obediente de una autoridad injustificada. Colin Smith va a decir que no.

           La soledad del corredor de fondo es, de esta manera, una de las películas prototípicas del Free Cinema, con ese compromiso social que refleja la vida alienada y sin futuro de una juventud desmotivada, utilizada por un sistema decrépito e inepto incapaz de comprenderla tanto desde la vieja autoridad –el gobernador del reformatorio- como de los nuevos métodos –un psicólogo incapaz de ver más allá de una teoría alejada de toda realidad práctica-. Las pretensiones de realismo de la obra quedan patentes tanto en la adopción del lenguaje propio de la juventud de la época como en una escenografía natural que se traslada tanto a las calles de Nottingham como a los espacios menos elegantes de los edificios –incluido el definitorio fregadero de la cocina-.

           Pese a que a día de hoy la situación del protagonista puede resultar tópica por algún momento, además de la clara influencia del Antoine Doinel de Los 400 golpes –aunque el protagonista no resulta tan repulsivo-, La soledad del corredor de fondo resulta una película meritoria, con un notable cuidado artístico –a excepción de detalles cuestionables y alguna pista de la banda sonora que parece no ajustarse bien- y con una buena carga de profundidad, con una reivindicación del valor del individuo, de la fidelidad a uno mismo frente a un sistema caduco, sin sentido, desautorizado; todo ello resumido en un final sublime, perfecto.

 

Nota IMDB: 7,7.

Nota FilmAffinity: 7,6.

Nota del blog: 7,5.