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La lengua de las mariposas

2 Ago

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Año: 1999.

Director: José Luis Cuerda.

Reparto: Manuel Lozano, Fernando Fernán Gómez, Uxía Blanco, Gonzalo Uriarte, Alexis de los Santos, Jesús Castejón, Guillermo Toledo, Elena Fernández, Tamar Novas, Tatán, Lara López, Celso Bugallo, Xosé Manuel Olveira ‘Pico’, Antonio Lagares, Milagros Jiménez, Eduardo Gómez.

Tráiler

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         Hablando sobre La lengua de las mariposas, se sorprendía su director, José Luis Cuerda, de que escenas como la del pasillo de los presos republicanos despertaban todavía una gran emoción entre los mayores de Allariz, el pueblo ourensano donde rodó esta adaptación de una serie de cuentos del coruñés Manuel Rivas. El cineasta lo interpretaba como una prueba de que la Guerra Civil española no era un conflicto adecuadamente sanado en Galicia. No es, por supuesto, una situación exclusiva de esta comunidad, pero en octubre de 2018 se produjo una nueva evidencia de este cierre en falso de la guerra fratricida y los posteriores cuarenta años de dictadura nacionalcatólica. Fue en la inauguración de la muestra en la que se exhibía por primera vez en España el óleo de Castelao A derradeira leición do mestre, “La última (o definitiva, tal es el sentido del término) lección del maestro”, considerado el Guernika gallego por su simbolismo furibundo y doliente en denuncia de la represión del nacionalismo galleguista y las libertades republicanas promovida por el alzamiento militar de 1936 y el régimen franquista. En su interpretación de la obra durante el discurso de apertura, el presidente de la Xunta, Alberto Núñez Feijóo, loó los valores democráticos en oposición a unos fanatismos ideológicos que conduce al totalitarismo, “presentes en el mundo actual bajo diferentes etiquetas”, si bien su advertencia contra la polarización política internacional, que atribuyó a lo que entiende como corrientes políticas populistas -pese a que su partido es capaz de avalar a un alcalde como Senén Pousa en Beade, cerca de Allariz-, también incluyó una invitación a pasar página mientras se contempla un cuadro ante el que “los más viejos sentirán los ecos de aquella barbarie, y los más nuevos se preguntarán asombrados si realmente fue aquí en Galicia donde sucedió”.

Con estas palabras, y tal como le reprocharon posteriormente, entre otros, los grupos de la oposición parlamentaria, el dirigente del PP se cuidó de condenar expresamente a los golpistas que fueron directamente responsables de la ejecución el 17 de agosto de 1936 de Alexandre Bóveda, el intelectual y político galleguista a quien Castelao, que entrega su rostro al del maestro que yace fusilado ante sus alumnos, rinde homenaje en esta pintura creada en el exilio y que amplía una de las estampas de su libro Galicia mártir. Ante estas medias tintas de Feijóo, una constante en el discurso y la acción política de la formación conservadora, fundada por un ministro de Francisco Franco, las declaraciones del resto de partidos incidieron en la necesidad de completar adecuadamente la labor de la memoria histórica para saldar definitivamente las cuentas con un pasado negrísimo y aún reciente y palpable, incluida la exhumación e identificación de los cuerpos de los ajusticiados, la reparación de su recuerdo y su dignidad y la supresión de los privilegios que todavía detentan los herederos del dictador como, sin salir de Galicia, ocurre por ejemplo con el expolio de bienes patrimoniales como el pazo de Meirás o las esculturas de Abraham e Isaac del Pórtico de la Gloria. 

         A derradeira leición do mestre era además la joya de la corona de una exposición en la que se profundizaba en la labor de Castelao como maestro de escuela y en la que se reflejaba el papel de la educación pública para, a pesar de la precariedad rampante, erigirse en una herramienta esencial contra la intolerancia y en favor de la igualdad y de la libertad moral e intelectual del individuo, dentro de un proyecto cercenado a sangre y fuego por una rebelión militar de filiaciones fascistas que tuvo precisamente en los docentes una de sus presas predilectas, como recordaba la abultada lista de ajusticiamientos recogidos por la muestra.

La lengua de las mariposas es una aproximación primero literaria y después cinematográfica a estos hechos, a cómo este aprendizaje humanista queda truncado literalmente a pedradas y espumarajos, símbolo de una generación que ha de vender su alma para sobrevivir en medio de la ignorancia, el clasismo y la brutalidad. Cuerda, encargado tanto de la realización como de ayudar a Rafael Azcona a traducir a libreto los textos de Rivas, establece esta escisión desde la mirada infantil, aterrada en su sensiblidad por la violencia que se adivina en el mundo adulto -“la letra que con sangre entra” y la Guerra del Rif como figuras equivalentes-. Y, en contraposición, sitúa a un mentor luminoso, que a través de las lecciones y de la amistad abre sus ojos a la vida pese a las nubes tormentosas que van oscureciendo el escenario. Las enseñanzas del maestro versan sobre las maravillas que el mundo alberga, pero asimismo sobre el infierno que pueden ser los otros.

         La película consigue manifestar con hermosura, lirismo y crudeza esa colisión entre las miradas soñadoras de dos iguales, el pequeño Gorrión y el veterano don Gregorio, frente a una realidad enferma y enajenada que conspira contra ellos, amenazando los valores que definen las esencias más elevadas del ser humano -el entusiasmo, la solidaridad, la comprensión, la lealtad, la libertad, el amor-. Hay una notable delicadeza y precisión para construir, plasmar y entrecruzar ese retrato de la ilusión del niño que descubre la vida con el espíritu curtido aunque irreductible contra desencantos del anciano profesor. Ayuda el emotivo contraste entre la frescura de Manuel Lozano y la rotundidad -sutil rotundidad- de un tótem viviente como Fernando Fernán Gómez. Al mismo tiempo, no se regodea en subrayar la sinrazón presente y la muerte que se avecina, intermediada por personajes que compone de un par de pinceladas para dar cuerpo con ellas a una atmósfera de fondo inquietante y cada vez más tangible. No se abusa por tanto de personajes monolíticos como el del cacique, que funcionan prácticamente como estereotipos.

         Azcona ensambla con naturalidad los tres relatos cortos de los que se compone el filme, apoyado fundamentalmente en la veracidad y la emoción de ese registro humano e histórico, de lo que obtiene pasajes conmovedores como el clímax final, donde se condensa esta lucha insoportable y eterna entre la libertad y la barbarie, el odio y el amor, entre un hermano y otro.

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Nota IMDB: 7,6.

Nota FilmAffinity: 7,5.

Nota del blog: 8.

Adiós, muchachos

17 Ago

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Año: 1987.

Director: Louis Malle.

Reparto: Gaspard Manesse, Raphaël Fetjö, Francine Racette, Stanislas Carré de Malberg, Philippe Morier-Genoud, François Berléand, François Négret, Peter Fitz, Pascal Rivet, Bendit Henriet, Xavier Legrand, Irène Jacob.

Tráiler

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          Aunque la figura del niño sirve en muchas ocasiones para ofrecer un contrapunto de inocencia frente a las atrocidades del mundo adulto -en este caso la ocupación nazi de Francia durante la Segunda Guerra Mundial, nada menos-, en Adios, muchachos Louis Malle utilizará el mundo de la infancia desde un punto de vista más cerca del paralelismo que de la oposición, al retratar la vida en un internado católico desde un naturalismo ajeno a idealizaciones y ternurismos de toda clase.

En cierta manera, las jerarquías y las relaciones entre los alumnos de Adiós, muchachos vienen a mimetizar las pulsiones de la sociedad que han dejado atrás, y a través de ellas -el clasismo, la crueldad, la amistad, la compasión…-, sumadas a las conversaciones que dejan caer con referencia a sus padres, se ofrece una muestra nada complaciente de la defección del país frente al invasor alemán y de las abundantes explicaciones de origen intestino para tal catastrófica caída, las cuales, por ejemplo, habían diseccionado ya en su día, con airado espíritu crítico, autores como Manuel Chaves Nogales en La agonía de Francia.

          Hay una razón detrás de esta crudeza que se entremezcla con la mirada por lo general fantasiosa y optimista de los chavales. Adiós, muchachos es una obra que Malle, en calidad de director y guionista, compone a partir de su memoria, de la pérdida de su propia inocencia que se trasluce en la atmósfera invernal y cenicienta de una película en la que el lirismo, de haberlo, es residual, asociado a la inconsciencia juvenil de los personajes -esta sí, cándida-.

Una perturbación existencial esta que, según sus propias palabras, fue la que probablemente le empujase a narrar historias por medio del cine, y para cuya recreación necesitó hacer acopio de toda una carrera tras las cámaras. Esta voluntad con rasgos de expiación, plasmada de forma casi obsesiva frente a los consejos contrarios de los productores, es un acto que el cineasta emprende casi en el ocaso de su trayectoria, después de un dilatado periodo en el extranjero, en Estados Unidos, con toda la carga de sacrificio de la propia personalidad que ese trasvase acostumbra a suponer.

          La cámara, siempre a la altura de los ojos del apenas adolescente Julien Quentin, captura por tanto un microcosmos que es tan expresivo en sus vivencias privadas como en su traslación de esa mencionada coyuntura exterior y colectiva. Malle, que busca la honestidad en la contención, vislumbra en los niños toda las virtudes y contradicciones extensibles a la humanidad, si bien tamizadas todavía por la inexperiencia, por su exploración a tientas de una realidad vital que no es como la que les transmite la literatura y la ficción, sino donde cuestiones abstractas como la valentía, la cobardía, la fidelidad o el egoísmo se encuentran enredadas en una maraña confusa y caótica, entreveradas con otras múltiples cualidades honrosas o mezquinas.

De ahí, de esa renuncia al sentimentalismo y al heroísmo redentor, mana la sincera emoción que desprende un filme que se aboca indefectiblemente a una escena final donde Malle vuelca, esta vez sin licencias creativas, el dolor de su recuerdo. De un recuerdo, además, que nos atañe a todos.

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Nota IMDB: 8.

Nota FilmAffinity: 7,8.

Nota del blog: 8.

Madame Hyde

18 Nov

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Año: 2017.

Director: Serge Bozon.

Reparto: Isabelle Huppert, Adda Senani, Romain Duris, José García, Roxane Arnal, Angèle Metzger.

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          En realidad, la dualidad del doctor Jekyll y Míster Hyde que expone el relato de Madame Hyde no apunta tanto hacia la protagonista -una maestra hundida en el fracaso y la mediocridad que tras un accidente de laboratorio se transforma ocasionalmente en un cuerpo incandescente- como hacia la sociedad francesa, representada a partir de un tremebundo sistema escolar. Es la Francia de la libertad, igualdad y fraternidad que colisiona violentamente contra la Francia de la marginación mediante el banlieue, la asmietría de oportunidades y la renuncia a la respuesta integrada de su multiculturalismo. La Francia presidida por un director de instituto de discurso petulante, inconexo y vacío que, en su tremenda torpeza e insensibilidad -amén de por su estética extravagante-, parece un villano de dibujos animados.

          Debajo de su esencia de comedia absurda, guiada por una Isabelle Huppert perfecta en la encarnación de una mujer anodina repleta de ira contenida y que ni siquiera parece hallar el camino cuando es tocada por lo extraordinario –cosechó premio en el festival de Locarno-, Madame Hyde oculta venenosos dardos en contra de un sistema que también disfraza su monstruosidad con ropajes vulgares, aceptados desde argumentaciones elitistas, mezquinas, conformistas.

El filme también posee detalles hilarantes en su presentación de la naturaleza y las circunstancias de la profesora -el material con el que se conforma la personalidad-, así como en su juego con el tópico del docente carismático que motiva y redime a las ovejas descarriadas, aquí de la mano de una renovada energía que es, literalmente, incendiaria. Porque la búsqueda de la fórmula de la enseñanza es el otro pilar maestro de la cinta.

          Pero el desarrollo de Madame Hyde es cuanto menos desconcertante. No por los hechos sobrenaturales o simplemente excéntricos que rompen con el verismo ligeramente caricaturizado de su retrato sociocultural, o por la transgresión de los códigos de géneros como el drama social y el fantástico -el filme ni es ni quiere ser lo uno o lo otro… y es los dos al mismo tiempo-, sino porque la narración de Serge Bozon -que arrastra e ironiza con su propio trauma como exprofesor de filosofía- avanza dando bandazos, de forma dispersa, confusa e incluso contradictoria, con vocación anticlimática, casi desinteresada por el aspecto interior de los personajes y muy irregular en cualquier otra lectura que pueda hacerse de ella.

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Nota IMDB: 5,7.

Nota FilmAffinity: 5,6.

Nota del blog: 6.

Cartas a Iris

20 Feb

Después de abordar la ópera prima de Martin Ritt, Donde la ciudad termina, en la primera parte del especial de Cine Archivo dedicado a su figura, en esta ocasión corresponde acometer el cierre de una filmografía que jamás perdió de vista su compromiso con la sociedad de su tiempo. Cartas a Iris, la despedida de un cineasta concienciado para Cine Archivo.

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La academia de las musas

10 Ene

“La palabra más común, cuando se pone en su lugar, de repente adquiere brillo. Ésa es la brillantez con la que tus imágenes deben brillar.”

Robert Bresson

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La academia de las musas

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La academia de las musas

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Año: 2015.

Director: José Luis Guerín.

Reparto: Raffaele Pinto, Mireia Iniesta, Rosa Delor Muns, Emanuela Forgetta, Patricia Gil, Carolina Llacher.

Tráiler

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           “Al principio era el Verbo, y el Verbo estaba en Dios, y el Verbo era Dios”, comienza el evangelio de San Juan. Cuando uno se enfrenta a La academia de las musas –se enfrenta, porque es imposible solo verla o escucharla- lo hace contra la palabra en todas sus dimensiones. Contra la palabra como herramienta para describir la realidad sensitiva y como herramienta de clasificación con la cual intentar infundir orden en el caos. Pero, sobre todo, contra la palabra como agente con entidad propia capaz de influir sobre la vida del ser humano y, más aún, como agente demiúrgico dentro de este complejo universo intelectual, emocional y espiritual del hombre. Incluso por medio de malinterpretaciones subjetivas, engaños, sofismas o mentiras flagrantes.

           La academia de las musas se abre como un experimento de realidad pura, en el cual se filma a Raffaele Pinto, profesor de filología italiana en la Universitat de Barcelona, durante su diálogo platónico con sus alumnos a partir de los versos de la Divina comedia de Dante Aligheri. Una serie de encuentros intermediados por los fonemas del catalán, el español y el italiano que, no obstante, se conforman sin problemas como un vehículo común de entendimiento e intercambio de ideas. La poesía como idioma en sí mismo, a través del cual indagar en los rincones ocultos o ya transitados del arte, del sexo o del amor; término este último al que parecen dirigirse en su exploración como la suma de todo ello; el Santo Grial –la comparación es justa por su envergadura mística y por la esencia quimérica del objeto-.

Sin embargo, aunada por la imagen minimalista de José Luis Guerín –cámara casera, sin director de fotografía, ni eléctricos ni sonidista-, la fuerza de las palabras va desquiciando los marcos de la estructura documental para derribarlos definitivamente y transformar la película en una obra de ficción dotada de un argumento y hasta una intriga cotidiana pero penetrante, desapercibida y trascendente, que convierte a las personas reales que departen sobre la naturaleza de la semántica, de la belleza, de lo humano y de lo romántico en personajes de una fantasía donde, paradójicamente, se llevan a la práctica estos conceptos inaprensibles, íntimos, metafísicos y quién sabe si siquiera existentes, desarrollando entre ellos, como en una fábula renacentista, estrechas relaciones de aproximación y deseo, de alejamiento y rechazo. En consecuencia, los fotogramas invocan en su transcurso a hitos cinematográficos como Te querré siempre –el cine: otra forma de arte y de lírica, si bien donde el verbo debería reservarse un papel secundario-.

           Los medios de producción, decíamos, son de supervivencia artesanal. Los planos no por ello son neutrales, sino que también, incorporados al debate del conjunto, hablan –sobre los personajes, sobre su discurso, sobre sus circunstancias-. Y lo hacen además con enorme elocuencia, gracias al extraordinario talento del cineasta barcelonés como observador y, por extensión, como narrador.

En cualquier caso, no se trata de un ejercicio desarrollado desde el engolamiento académico o grandilocuente, más allá de la elevación cultural del tema o la erudición de los participantes –se diría que otro asunto recurrente de la cinta es el del placer de construir y dar vida a sensaciones y razonamientos o, más pedestremente, el placer de oír y oírse hablar-. La escuela de las musas continúa la senda de proyectos previos de Guerín como En construcción, crudamente veristas y apegados al suelo pero a la vez complejos, reflexivos y sorprendentes. Esto es, sin alejarse de la implicación hacia unos seres vívidos que aquí, en ocasiones con gran frustración –las dudas románticas y existenciales que encarna Mireia Iniesta-, tratan de encontrar en las palabras la respuesta a lo que experimentan sus entrañas; al mismo tiempo que viven cautivos de esas mismas palabras que arrojan explicaciones inciertas y hasta falaces, tal y como señala la esposa del catedrático, quien conserva su lucidez debido al desapego desengañado hacia esas fórmulas prefabricadas y filtradas por siglos de églogas y sonetos –aunque, a fin de cuentas, solo para revelarse luego como el único personaje inmerso a tumba abierta, con innegociable honestidad, en ese poderoso sentimiento de amor al que canta la lírica-.

           Guerín muestra calidez a sus personajes, aunque también los cuestiona y duda de ellos –lo cual les hace más humanos-, de igual manera que se puede cuestionar y dudar de las palabras. ¿Tanta disquisición filosófica es una mera artimaña del profesor para encamarse con sus alumnas? ¿La percepción o las reacciones de cada una de ellas por qué está motivada? ¿Cuánto hay de sinceridad o de fingimiento en cada uno de ellos? ¿Son conscientes acaso de las fronteras entre una y otra cosa? ¿Sus estudios avanzan o son simples pajas mentales fruto de un contexto retorcido a conveniencia y comodidad? ¿Acaso es auténtico el paso del tiempo que señala el director en sus intertítulos? Y, por supuesto, ante la avalancha de ideas, sugerencias, interrogantes, hallazgos, incógnitas y misterios que desbordan las conversaciones, nace asimismo en el espectador ese deseo de unirse al intercambio, de sumarse a la audaz exploración que emprenden personas y personajes. El deseo de la palabra. Empero, a él le corresponde entonces continuarlo o llevarlo a cabo a la salida de la sala, no hay más remedio.

Un pequeño gran milagro.

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Nota IMDB: 7.

Nota FilmAffinity: 7.

Nota del blog: 8,5.

La profesora de parvulario

8 Ene

“Si no fuese por la poesía, que es la que nos salva, seríamos muerte ambulante.”

Raffaele Pinto (La academia de las musas)

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La profesora de parvulario

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La profesora de parvulario

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Año: 2014.

Director: Nadav Lapid.

Reparto: Sarit Larry, Avi Shnaidman, Lior Raz, Jil Ben David, Ester Rada, Guy Oren, Yehezkel Lazarov, Dan Toren.

Tráiler

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            Corren malos tiempos para el virtuosismo artístico, sometido a la gélida tiranía del número, el balance de beneficios y la marca personal o colectiva. Al ultraliberalismo dominante, y por extensión al sistema sociocultural aparejado, le cuesta trabajo apreciar los valores que trascienden lo material. De ahí, por ejemplo, el arrinconamiento de las humanidades en los programas lectivos, o el sometimiento de la creación cultural a términos de producción y rentabilidad. La búsqueda de la belleza o de respuestas a conceptos inmateriales queda así fuera de la ecuación, como por extensión queda el desarrollo de pensamiento crítico, siempre incómodo para el status quo.

Este contexto hostil hacia la cultura –“un mundo que odia a los poetas”- es el que marca la atmósfera de La profesora de parvulario y determina la desesperación de la protagonista cuando descubre inesperadamente que el último genio en un universo que rinde culto a la mediocridad -si no a la estupidez-, es un niño de cinco años, capaz de desarticular con sus versos el dolor del amor no correspondido, la violenta naturaleza humana o la esencia de la vida.

            El cineasta israelí Nadav Lapid captura el escenario con un estilo de apariencia pedestre, de planos detalle desubicados y un tanto caóticos que ni siquiera son naturalistas, puesto que nunca esconderá la cámara y, más todavía, revelará sin problemas el artificio del filme –el objetivo se lleva un indisimulado golpe en la primera escena; los niños interactúan con el objeto indiscreto y extraño que les graba-. Sin embargo, de entre esta maraña de feísmo, nacen asimismo planos de cierta hermosura en los que, puntualmente, se vislumbra ese lirismo perdido que persigue obsesivamente la maestra.

            La profesora de parvulario es una película compleja e incómoda, que puede resultar por momentos desconcertante. A pesar de la legítima coartada de la reivindicación artística, los caminos que emprenden sus personajes están alejados de la ética e incluso de la empatía, en especial esa protagonista que carga con el peso del argumento. Esa callada desesperación no responde solo a la defensa del genio redentor –hasta contra su propia voluntad de querer ser un crío despreocupado, como se irá matizando a medida que avanza el metraje hacia un desenlace coherente aunque un tanto menos convincente-; sino que es a la par una perturbadora lucha contra la frustración personal –ella una poeta amateur carente de talento- y en pos del hallazgo en los entresijos de la prodigiosa mente del niño de las respuestas que aporten cierto consuelo al desasosegante vacío de la existencia.

En paralelo a las atormentadas y enfermizas decisiones, la artera hipocresía de las contradicciones de la mujer y el perturbador erotismo que aflora en el contacto físico entre profesora y alumno, devota y maestro -reafirmado con contundencia por la expresiva mirada de Sarit Larry-, Nadav Lapid desarrolla una obra inhóspita y opresiva, donde la intensidad de esta angustia íntima -tensada por el acoso de un entorno ciego, enemigo del arte y la belleza-, se percibe a punto de reventar en mil pedazos.

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Nota IMDB: 6,7.

Nota FilmAffinity: 6,1.

Nota del blog: 7,5.

Fuera de juego (Fever Pitch)

14 Nov

“Algunos creen que el fútbol es una cuestión de vida o muerte, pero es algo mucho, mucho más importante que eso.”

Bill Shankly

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Fuera de juego (Fever Pitch)

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Fuera de juego (Fever Pitch)

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Año: 1997.

Director: David Evans.

Reparto: Colin Firth, Ruth Gemmell, Luke Aikman, Mark Strong, Neil Pearson, Richard Claxton, Ken Stott, Holly Aird.

Tráiler

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            Fiebre en las gradas no es exactamente un libro feliz. O, mejor expresado, es un relato que termina dejando cierto poso de felicidad… pero a pesar de todo. En palabras del propio Nick Hornby, un obseso no es feliz con sus obsesiones. No le hacen sonreír, sino padecer. Y el retrato que Hornby hace de su relación con el Arsenal –ni siquiera con el fútbol-, es el retrato de una obsesión omnipresente y omnímoda.

Con el eje vertebral de su filiación con el equipo londinense, el escritor vuelca sus vísceras sobre el blanco y negro y, en consecuencia, de las páginas brota una colección de claroscuros en los que, en el mejor de los casos, el Arsenal ejerce de argamasa que repara las grietas de una familia desmoronada y que, a duras penas, recompone los fragmentos de un temperamento taciturno y proclive a la melancolía, rayano en la depresión constante. A su vez, el Arsenal de Hornby aparece como un agente envuelto en alargadas sombras, que construye una personalidad muy definida solo que, por decirlo así, a partir de su proyección en negativo, con filias y fobias desbocadas y asfixiantes, frustración inane y aislamiento generacional y social; traidor hacia los afectos profundos e incondicionales, catalizador de una descomposición moral, social y quizás hasta cultural experimentada desde la absorbente y aturdidora masa humana.

Pero, de ahí el regusto final tenuemente optimista, hasta sus proyecciones negativas pueden tornarse luminosas si se encuadran en el contexto apropiado. Ahí surgen el espíritu grupal, la capacidad de sobreponerse a la adversidad y volver a intentar lo imposible, el aprecio hacia la propia identidad, la conexión con el prójimo más elemental, el idealismo, la enriquecedora pasión de unas emociones exaltadas por la sorpresa y el júbilo.

            Un lustro después de su publicación en papel, Hornby, encargado de componer el libreto del filme Fuera de juego, lima las lacerantes asperezas y dulcifica el acre regusto de su relato autobiográfico para amoldarlo a las formas de la comedia romántica y, de esta manera, hacerlo más amigable hacia el espectador medio, que no tiene por qué compartir su monomanía y ni siquiera una afición comedida por el Arsenal –o como poco, por el fútbol-. Por fortuna, el cambio de tono no traiciona negligentemente el espíritu del original –el propio espíritu de Hornby, en definitiva- y, aunque con una carga íntima menos amarga y más humorística, plasma con rigor esos claroscuros que convierten al protagonista -aquí Paul (acertado Colin Firth)-, y a su equipo -por supuesto el Arsenal-, en todo uno, sin destartalarlos en una burda caricatura.

            Casi más que adaptar el libro, esta película inspirada en Fiebre en las gradas sabe asimilar el encuentro entre Paul y Sarah (Ruth Gemmell) al ritmo de un partido de fútbol, con sus ataques y sus contraataques, sus goleadas vergonzosas y sus arranques de épica inconsciente, sus variaciones en función del estado de ánimo y de forma física de los jugadores, sus rivalidades de amor y odio, y sus triunfos y derrotas. Es decir, al ciclotímico compás de la temporada 1988-89 en la que el Arsenal, en el último minuto del último partido, volvería a conquistar la First Division tras dieciocho largos años de travesía por el desierto.

La dirección de David Evans se limita a ser funcional, trufando la cinta de una banda sonora repleta de música, como cabría pensar en una obra surgida de la sensibilidad de Hornby –autor en este campo de la melanomanía de otro libro también llevado al cine, Alta fidelidad-, pero que deja una sensación de molesta convencionalidad en sus elecciones. No obstante, el encanto de la obra aguanta el tipo y ofrece un entretenimiento simpático, con genuino sabor futbolero.

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Nota IMDB: 6,7.

Nota FilmAffinity: 6,2.

Nota del blog: 7.

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