Tag Archives: Vidas cruzadas

Traffic

1 Abr

Traffic

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Año: 2000.

Director: Steven Soderbergh.

Reparto: Michael Douglas, Benicio del Toro, Catherine Zeta-Jones, Don Cheadle, Jacob Vargas, Tomas Milian, Luis Guzmán, Miguel Ferrer, Caroline Wakefield, Topher Grace, Albert Finney, James Brolin, Steven Bauer, Dennis Quaid, Clifton Collins Jr., Viola Davis, John Slattery, Benjamin Bratt.

Tráiler

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           A poco que uno se documente, no es difícil superar el corte mínimo con una crónica del narcotráfico, tal es la fascinación que provoca este sistema en negativo donde convergen la iniciativa empresarial, la corrupción moral, la amenaza sangrienta y el atractivo del fuera de la ley. Hay ejemplos recientes y populares de ello, como la novela El poder del perro -en la que un escritor mediocre no logra estropear unos hechos absorbentes- o la serie Narcos -donde el simpar imperio de la cocaína de Pablo Escobar está reconstruido mediante fórmulas y trucos gastadísimos que parecen sacados del thriller más convencional de hace por lo menos dos décadas-.

Algo semejante ocurre en Traffic, flamante ganadora de cuatro Óscar y nominada a la estatuilla a mejor película. Apropiación de la miniserie británica Traffik, esta es, sin duda, una película ambiciosa que emplea el recurso narrativo de las vidas cruzadas -por aquellos años de notable prestigio, como demuestran los premios y elogios cosechados por filmes como Happiness, Magnolia, Ciudad de Dios, Crash (Colisión) o las primeras obras de Alejandro González Iñárritupara condensar el problema del contrabando y consumo de drogas entre Estados Unidos y México. Desde la volátil trinchera de Tijuana -reproducida en fotogramas de penetrantes tonos amarillos, de grano duro y movimiento incierto- hasta la torre de marfil que habitan las altas esferas judiciales y políticas de Washington D.C. -en acerados tonos azules y planos más estáticos-, con toda una gradación de estratos, estilos y colores entre medias.

           El problema es que para ello pergeña una serie de dramas que acuden a estereotipos didácticos simples y forzados -la hija díscola del fiscal antidroga-, a segmentos superficiales y apresurados -la ciudadana de clase alta que descubre y asimila sus inesperados vínculos con el crimen- o a relatos de una increíble ingenuidad -el propio fiscal-, más grave aún debido a que este último es a través del cual se articula un discurso político determinado -o, mejor dicho, la falta de él, expresado en una rueda de prensa final que huele a topicazo mal desarrollado-.

Lo inverosímil del desconocimiento que muestra un cargo de tamaña importancia -y que podría interpretarse como una postura cercana a lo exculpatorio- revela una mala elección para intermediar, hasta con entrevistas enmascaradas, el punto de vista del espectador, quien, de la mano del fiscal, toma consciencia de los mecanismos sobre los que se asienta todo este terrible tinglado, a cuya carencia de escrúpulos explícitos, por omisión o por hipocresía -recordemos las palabras del indómito narco cambadés del hachís Laureano Oubiña sobre su intención de demandar al Estado por un delito contra la salud por su control del comercio del tabaco y el alcohol-, le acompaña una colección de consecuencias y costes.

           Las mejores tramas tampoco destacan por su credibilidad o por su complejidad, y de hecho acumulan sus propios clichés -la pueril composición del villano de opereta al otro lado de la frontera-, pero al menos poseen una tensión y un músculo cinematográfico que sacan a flote un conjunto nutrido principalmente, decíamos, por el interés que suscita un mundo subterráneo y a la vez tangible.

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Nota IMDB: 7,6.

Nota FilmAffinity: 7,1.

Nota del blog: 6.

Fallen Angels (Ángeles caídos)

16 Oct

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Año: 1995.

Director: Wong Kar-Wai.

Reparto: Leon Lai, Michelle Reis, Takeshi Kaneshiro, Charlie Yeung, Karen Mok, Chang Fai-hung, Chan Man-lei.

Tráiler

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           Su origen se encuentra en el carácter tripartito con el que Wong Kar-wai planteaba inicialmente el proyecto que daría lugar a Chungking Express, con la que mantiene todavía referencias, reflejos y variaciones –sobre todo el personaje del japonés Takeshi Kaneshiro, que es una especie de reverso del que encarnaba en esta-. Pero, a decir verdad, Fallen Angels (Ángeles caídos) parece pertenecer más al universo por el que el autor se movía en su debut en el largometraje: El fluir de las lágrimas. En cierto sentido, podría describirse la película como un perfeccionamiento de las constantes argumentales, artísticas y existenciales de la anterior.

           Fallen Angels hibrida en sus fotogramas un cine criminal con el (des)encuentro romántico que caracteriza las pulsiones cinematográficas de Wong, abundando además en la influencia estética de la realización videoclipera que aparecía en aquella y que aquí se manifiesta de forma más evidente en los abundantes movimientos de cámara, la brevedad de los planos en el montaje y los enfoques raudos y de aspecto inmediato, señas de identidad del director. Pero en su interior permanecen intactas inquietudes como el tempus fugit: el terror hacia el tiempo que todo lo devora y que se manifiesta en la voluntad de perdurar de estos frágiles seres –un espacio donde, además, el cineasta asiático se concede un triunfo exponiendo que el vídeo es más efectivo en este propósito que, por ejemplo, teñirse el cabello de rubio platino o dejar un mordisco impreso en el brazo del hombre amado y perdido-.

           A lo largo de las misiones de un sicario que transita indolente por la vida, sin importarle siquiera el fatalismo que impera en el género al que pertenece, la trama establece de este modo una serie de relaciones de aproximación y distanciamiento, cruce y separación, que entretejen los caminos de los tres personajes principales, quienes además de este asesino son su socia encargada de planificar los asaltos, con quien posee una relación marcada por la incomunicación, y un joven mudo que se dedica a explorar negocios ajenos; todos ellos siempre inmersos en una noche poblada de criaturas extrañas y truncadas.

Wong conecta a los dos primeros a través de una serie de rimas visuales e incluso sonoras –el traqueteo del tren con la percusión de una versión exótica del Karmacoma de Massive Attack; la canción Forget Him de Shirley Kwan de manera más explícita-, las cuales bosquejan una especie de conexión predestinada, pareja a los amores quasiplatónicos que comparecen en obras como Deseando amar (In the Mood for Love) o, precisamente, Chungking Express.

           Su particular cadencia y su factura estética –con el característico combate entre luces rojas y verdes- desarrolla un hipnótico juego sensorial -como hipnótica es en sí misma Michelle Reis-, muy sugestivo y durante el que Wong, por otro lado, arriesga a extremar su estilo. Así, al mismo tiempo que entrega imágenes de elaborado lirismo –el blanco y negro enjuagado por las gotas de lluvia-, también puede caer en algún exceso puntual, caso de la dilatada escena del jukebox, a mi juicio un tanto disonante, y que se remata además con una secuencia sexual –aunque sea solitaria en realidad- infrecuente dentro de este cosmos del cineasta habitualmente pudoroso y ajeno a las consumaciones –a excepción de Happy Together-. Un punto este que termina por cumplirse, no obstante.

           En cambio, la parte protagonizada por Kaneshiro no termina de conjugar bien con el conjunto y desequilibra un tanto los resultados del filme, en buena medida por la extravagancia del personaje y la levedad de su historia en comparación con el metraje que se le dedica.

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Nota IMDB: 7,7.

Nota FilmAffinity: 7,1.

Nota del blog: 7,5.

Mind Game

19 May

“Lo importante es disfrutar rodando. Imaginar qué podría haber sido la película es absurdo; lo interesante es lo que ocurre.”

Álex de la Iglesia

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Mind Game

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Mind Game

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Año: 2003.

Director: Masaaki YuasaKôji Morimoto.

Reparto (V.O.): Kôji Imada, Sayaka Maeda, Takashi Fujii, Seiko Takuma, Tomomitsu Yamaguchi, Toshio Sakata, Jôji Shimaki, Rintarou Nishi, Kenichi Chujou.

Filme

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           El “¿y si…?” como reflexión introspectiva es uno de los grandes tormentos psicológicos autoinfligidos del ser humano, especialmente entre los indecisos, los sensibles o, en fin, los que entran dentro de la etiqueta social de perdedores. Y si hubiese escogido la vocación en lugar de la obligación. Y si hubiera plantado cara en vez de callarme. Y si hubiese confiado en mis posibilidades. Y si hubiera escogido animar otro equipo de fútbol. Y si hubiese ido por el camino contrario de la encrucijada. Y si me hubiera atrevido a expresar mis emociones con aquella chica -madre de todos los ‘y si…’-. “Es un error de Dios no haber dado al hombre dos vidas: una para ensayar y la otra para actuar”, sintetizaba Vittorio Gassman.

           Como expresa su título, Mind Game parte de un manga homónimo en el que, al modo de un juego mental terapéutico de notable carga autobiográfica, su autor, Robin Nishi, volcaba en tinta y papel la miríada de posibilidades, aspiraciones y sueños rotos que torturaban su interior irrealizado para, habilitado por la capacidad taumatúrgica de la ficción, reconquistarlos y enderezar el sentido de su existencia. Una extraordinaria y fantasiosa segunda oportunidad concedida en este caso por una deidad burlona, de descacharrante polimorfismo, pero comprensiva hacia aquellos que ha creado imbéciles por puro capricho -¿a su imagen y semejanza, cabe pensar?-.

Patetismo confeso que, obviamente, no se refiere solo al personaje principal, sino también, como explicitan los flashbacks dispersos por el montaje, a las numerosas vidas que se entrecruzan con la suya. A cualquiera de nosotros, en definitiva.

           Mind Game es un arrollador despliegue de deseos y delirios que tratan de materializarse precisamente a imitación de las decisiones del protagonista resurrecto –y quizás luego inmerso en un purgatorio con forma de vientre de cetáceo-. Esto es, por medio de la incontención más absoluta. De la ruptura rabiosa contra la tiranía de las convenciones sociales –y artísticas por extensión-, muchas de ellas abrigadas por el seno de una personalidad sumisa. Del lanzamiento de bombazos contra la frustrante realidad para fragmentar su caparazón y penetrarla salvajemente, hasta atravesarla de lado a lado.

La película es un puro frenesí de colores incontrolados, formas atropelladas y digresiones tanto visuales –la combinación de fotografía con animación- como temáticas –la progresiva invasión de la ilusión y la fantasía en el relato hasta su colonización por completo del escenario y el argumento-.

           Imperiosamente escatológica como plasmación de los apetitos esenciales e insatisfechos de la especie, excesivo por definición y no siempre bien medido –surge puntalmente cierta irregularidad en este equilibrio del desequilibrio-, el filme se embarca en una adictiva epopeya lisérgica, realizada con desbordante imaginación, y donde, literalmente, todo puede suceder. El fin de los “¿y si…?”.

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Nota IMDB: 8.

Nota FilmAffinity: 7,5.

Nota del blog: 7,5.

Días salvajes

13 May

“Una película es (o debería ser) como la música. Debe ser una progresión de ánimos y sentimientos. El tema viene detrás de la emoción; el sentido, después.”

Stanley Kubrick

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Días salvajes

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Días salvajes

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Año: 1990.

Director: Wong Kar-wai.

Reparto: Leslie Cheung, Maggie Cheung, Andy Lau, Carina Lau, Rebecca Pan, Jackie Cheung, Tita Muñoz.

Tráiler

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            El amor y la soledad, las redes que tejen los caprichosos sentimientos atrapando en ellas a una maraña de criaturas confusas, y el inexorable paso del tiempo, que todo lo devora. Días salvajes, la segunda película de Wong Kar-wai, expone a las claras la esencia de su filmografía, sus inquietudes personales y la atmósfera íntima y delicada pero terriblemente cargada de emociones. Exageradamente, como hiciera Francis Ford Coppola en La ley de la calle, los relojes dominan el escenario por el que, a través de finitos lapsos físicos que paradójicamente se extienden durante largos periodos emocionales, transitan entrelazados un grupo de personas frágiles y desorientadas, atormentadas por ausencias, traumas y anhelos sin resolver.

            El autor hongkonés estrecha la trama de confluencias románticas en la que se inscriben un dandy incapaz de concretar sus impulsos emocionales, una dependienta insegura y frágil, una cabaretera caprichosa y un policía solitario y desarraigado. Todos ellos quedan encerrados  entre fragmentos temporales que marcan el encuentro, la pérdida, la recuperación y el olvido. La vida y la muerte, en resumen, tal y como determinan los recorridos circulares que traza el relato, advertidos ya por unos títulos de crédito oníricos que, en realidad, terminan desvelándose como admonitorios –si bien quizás rotos en último término por las evocaciones que deja esa fecha compartida del 26 de abril; al igual que quizás estén condenados a repetirse a raíz de lo que sugiere la escena suelta con Tony Leung que cierra el metraje-.

            A lo largo de este recorrido doliente, de contenido pero palpable y conmovedor apasionamiento, Días salvajes indaga en la casuística amorosa del ser humano. Un universo complejo donde el deseo perturba sin remedio la razón y que no siempre conduce a la realización y a la plenitud –más bien al contrario, ya que a ese maremágnum de sentimientos se suman el engaño, la compraventa material y el interés egoísta-. Tendencias que por tanto, invariablemente, condenan a la melancolía y la soledad, a la frustración y la autodestrucción en el peor de los casos. De la mano de Wong, este cúmulo incontenible de emociones se filtra entre la cadencia lánguida del montaje, la atmósfera pesada por el bochorno y la lluvia tropical, y la sensación terminal que gobierna el drama.

El cineasta desarrolla así una narración fragmentaria y de fuerte sentido lírico, todavía no tan elaborado formalmente como en sus obras posteriores pero dueño de una inconfundible elegancia estética y donde, de igual manera, amanecen señas definitorias como, por ejemplo, la selección de canciones de la banda sonora.

            La cinta, concebida como la primera parte de un proyecto más extenso –de ahí la desconectada secuencia de cierre-, quedaría zanjada aquí por el fracaso comercial que sufrió en su estreno. Sin embargo, deja plantada la semilla que fructificaría una década después en filmes como Deseando amar (In the Mood of Love) y 2046, con las que bien podría conformar una coherente trilogía que navega por el pasado, el presente y el futuro a caballo de las emociones y donde, de nuevo, el tiempo se erige como una variable determinante, trágica e incontrolable, aunque asimismo insospechadamente volátil, puesto que un minuto puede equivaler, debidamente estimulado, a una eternidad. Y viceversa.

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Nota IMDB: 7,6.

Nota FilmAffinity: 7,1.

Nota de blog: 8.

Lantana

9 Mar

“Nunca nada es tan claro como se ve en el cine. La mayoría de las personas no saben lo que desean o lo que sienten. Solamente en las películas se sabe bien cuáles son los problemas y cómo resolverlos.”

John Cassavetes

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Lantana

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Lantana

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Año: 2001.

Director: Ray Lawrence.

Reparto: Anthony LaPaglia, Geoffrey Rush, Barbara Hersey, Kerry Armstrong, Rachel Blake, Vince Colosimo, Daniela Farinacci, Leah Purcell, Peter Phelps.

Tráiler

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             Son confecciones frágiles las historias cruzadas. De corte popular y al mismo tiempo con apariencia de alta costura, elocuentes o incluso explícitas en las pretensiones de su estilo, en muchos casos resulta fácil que se le descosan las mangas o las solapas de la pechera a poco que se las zarandee para comprobar su solidez, tal es la debilidad de su bordado, espectacular pero en exceso forzado para el complicado encaje de sus componentes.

En Lantana, saltan a la vista las costuras que articulan la creación de Andrew Bovell, autor de la obra teatral original y el posterior guion cinematográfico. La artificiosidad con la que se empalman sus piezas, destinadas a conformar un conmovedor puzle acerca de los males psicológicos y espirituales que aquejan a la sociedad occidental contemporánea, se descompone al ser incapaz de hacer verosímil la entidad de cada uno de ellos como criaturas independientes respecto del discurso global –algunas de ellas son de hecho inservibles y solo acumulan metraje innecesario-.

Encerradas en esa telaraña de relaciones cruzadas, se percibe en efecto la atmósfera viciada y asfixiante en la que penan sus días, pero transitan por ella como monigotes de paja movidos por hilos. Por esos hilos que cuelgan de las costuras a la vista, claro.

             A través del reparto coral y de sus respectivos fragmentos de existencias vacías, Lantana aspira a capturar el miserable marasmo del mundo, al estilo, aunque con menor intensidad, de películas que convergen en un espacio relativamente breve de tiempo y por lo general alabadas todas ellas por la crítica y los galardones –al menos en su momento de estreno-, como Short Cuts (Vidas cruzadas), Grand Canyon (El alma de la ciudad), Happiness, Magnolia, 21 gramos o Crash (Colisión).

             Así, afloran en el libreto un compendio de traumas interiores y unversales, caso de la rutina cotidiana y la desidia del desencanto, la soledad, el fracaso del matrimonio y de la unidad familiar tradicional, las represiones personales, los prejuicios hacia el Otro, la cobardía de cargar las afrentas de la propia vida contra quien se tiene más a mano y es más sumiso respecto a esta crueldad de alcoba. Brotan desbocados toda vez que los muros que los contenían han sido definitivamente dinamitados por un traumático incidente compartido –un factor de demolición que también emplean alguna de los filmes antes citados y, a su modo, otras cintas sobre las oscuridades ocultas tras las idílicas fachadas de la comunidad como Crimen al atardecer o la serie Twin Peaks-.

Son numerosos los enemigos del ciudadano de hoy, advierte Lantana, y las respuestas que trata de ofrecerle, orgullosa ella, no pasan del moralismo elemental o del romanticismo más romo y perezoso, a la manera de un pobre e insulso manual de autoayuda.

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Nota IMDB: 7,4.

Nota FilmAffinity: 6,6.

Nota del blog: 4.

Mystery Train

23 Feb

Jim Jarmusch peregrina al corazón cultural de América, Memphis, patria de Elvis, oronda deidad. Y en ella encuentra templos en ruinas, repleta de cochambre y viajeros perdidos en la nada, pero todavía con cierto romanticismo ‘cool’ que sobrevive en forma de ecos lejanos. Mystery Train, cuarta toma de Jim Jarmusch para Ultramundo.

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El cuento de los cuentos

20 Nov

“El cine…Es extraño. La gente compra una entrada. Esa entrada es su puerta a una fantasía que tú creas para ellos. La tierra de la fantasía, eso es todo, y tú das vida a sus fantasías. Fantasías de amor, de odio o de lo que sea.” 

Marlon Brando

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El cuento de los cuentos

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El cuento de los cuentos

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Año: 2015.

Director: Matteo Garrone.

Reparto: Salma Hayek, Vincent Cassel, Toby Jones, John C. Reilly, Christian Lees, Jonah Lees, Shirley Henderson, Hayley Carmichael, Bebe Cave, Stacy Martin, Guillaume Delaunay, Franco Pistoni.

Tráiler

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            Con ciertas similitudes a lo que en su día hizo su compatriota Pier Paolo Pasolini en cierta fase de su por otro lado libérrima carrera, el italiano Matteo Garrone abandona cualquier espacio de confort que pudiera haberse asentado en su obra y ensaya un giro radical en la temática de su filmografía. Desde la lectura rabiosa y actual de la realidad de su país que ofrecía en Gomorra y Reality, Garrone emprende un viaje hacia el universo fabuloso, hechizante y terrible de los cuentos tradicionales en El cuento de los cuentos, en el que además rueda por primera vez en lengua inglesa y respaldado por actores de renombre internacional como Salma Hayek, John C. Reilly, Vincent Cassel o Toby Jones.

            Inspirado por el Pentamerón de Giambattista Basile, poeta campano del siglo XVII, Garrone propone al espectador aventurarse en tres relatos sobre la vida y la muerte, el juego de contrarios y el sentido del equilibrio en el universo y el destino de la existencia humana. Uno, acerca de los celos posesivos de una reina hacia su hijo nacido de grandes sacrificios; otro, sobre la lujuria incontenida de un rey y las ambiciones materiales de dos ancianas tintoreras; un tercero, protagonizado por otro monarca, únicamente interesado en criar a una pulga hasta límites sobrenaturales, y su hija ilusionada por los romances principescos.

            El cineasta romano arropa este tríptico, embebido de arquetipos clásicos y legítimo dueño del sabor de los cuentos, con una deslumbrante puesta en escena de impresionantes escenarios naturales y arquitectónicos, exóticos, mágicos y evocadores –y todos ellos extraídos de la convulsa variedad de la Italia histórica, en realidad-, ensalzados además por la preciosista fotografía, rica en colorido, de Peter Suschitzky. En contraste, destacan las nostálgicas sensaciones que despierta esa fisicidad artesanal, ya olvidada en los tiempos del CGI, que poseen las criaturas fantásticas que aparecen puntualmente en el filme.

Asimismo, en lugar de optar por la exposición lineal de estas tres historias, su constante intercalación en el montaje funciona con acierto en su cometido de mantener viva la expectativa del público y, por otra parte, también para difuminar las posibles carencias de profundización en la construcción narrativa, la simbología y las lecturas argumentales de cada uno de ellos.

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Nota IMDB: 6,5.

Nota FilmAffinity: 6,2.

Nota del blog: 7.

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