Tag Archives: Piratas

Porco Rosso

25 Nov

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Año: 1992.

Director: Hayao Miyazaki.

Reparto (V.O.): Shūichiro Moriyama, Akemi Okamura, Tokiko Kato, Akio Ōtsuka, Bunshi Katsura Vi, Tsunehiko Kamijoe, Hiroko Seki.

Tráiler

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         Hayao Miyazaki, un creador fascinado por los cerdos, convirtió a uno de ellos en el centro de su única película que, podría decirse, está protagonizada en exclusiva por un personaje masculino: Porco Rosso. Ese cerdo -en realidad un hombre hechizado por un misterio que se deja estimulantemente a la imaginación de cada cual- da, en el fondo, la medida de la humanidad. “Son cosas de hombres”, reflexiona ante una cabalgata fascista en la Italia de Entreguerras en la que se ambienta el filme, deslizando una amarga referencia a asuntos como el belicismo y la opresión totalitaria. En cambio, él muestra su fidelidad a una copa de vino, a la amistad con la bella viuda de un compañero y, sobre todo, a surcar las nubes a bordo de su hidroavión, libre.

Pero, además, Porco Rosso encarna la capacidad del ser humano de soñar, de alcanzar las más altas metas, incluido el cielo, como manifiesta la aviación, otro de los elementos recurrentes en las fantasías del autor japonés, cuya fascinación se manifiesta en la hipnótica belleza de los movimientos aéreos, de la pasión por los diseños de las aeronaves. “Un cerdo que no vuela es solo un cerdo”, explica desde su aguzado laconismo. Ese es, en último término, su duelo definitivo. Romper barreras y convenciones. Volar más alto que nadie por el puro placer de hacerlo, no por el botín -como los piratas-, la fama -como esa especie de Errol Flynn que contratan para batirlo- o el poder sobre los demás -como la aviación militar-.

         Porco Rosso podría considerarse la película de mayor influjo europeo del Studio Ghibli, en la que el gusto por el paisaje y la arquitectura de Miyazaki se plasma en un canto de amor al mar Adriático. Este es el hogar de un antihéroe crepuscular y melancólico, el último aventurero en el advenimiento del fascismo y que, ante el devenir de un mundo enloquecido, vive prácticamente aislado del mundo en una pequeña y hermosa isla, prácticamente como Humphrey Bogart en su bar de Casablanca, aceptando con estoicismo la maldición -impuesta tanto por ese enigma fantástico de su transformación en cerdo como por la deriva de la sociedad en tiempos de crisis- que parece empujarlo a una existencia solitaria, pensativo y enigmático con su gabardina, su cigarrillo y su mirada escondida tras las gafas de sol. “Prefiero ser un cerdo que un fascista”, espeta Porco Rosso para rechazar la invitación a unirse a la aviación militar italiana. Hay un trasfondo oscuro tras su condición marginal. El cine, dentro de esta lógica social interna, lo dibuja ya como el malo de la película.

         No obstante, dentro de este carácter sentimental, Porco Rosso también mira la aventura con entusiasta espíritu inocente, lo que no deja de ser parte de su romanticismo. Los piratas parecen ser herederos de sus ancestros de Astérix y Obélix y perseveran ante la constante pérdida de sus embarcaciones; las niñas que secuestran los traen por el camino de la amargura y todos ellos se sonrojan ante la presencia de una dama. Es decir, que también ellos son críos que juegan. Y que nos invitan a jugar.

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Nota IMDB: 7,7.

Nota FilmAffinity: 7,4.

Nota del blog: 7,5.

Alien: Resurrección

14 Sep

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Año: 1997.

Director: Jean-Pierre Jeunet.

Reparto: Sigourney Weaver, Winona Ryder, Ron Perlman, Dominique Pinon, Gary Dourdan, J.E. Freeman, Brad Dourif, Dan Hedaya, Michael Wincott, Kim Flowers, Leland Orser, Raymond Cruz.

Tráiler

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         Alien³ había sido una producción calamitosa, pero la película que había salido de ella -una buena idea que degeneraba en collage caótico resuelto a trancas y barrancas- dio lo suficiente de sí en taquilla como para arriesgarse a una cuarta entrega que, en cualquier caso, debía apostar por un truco espectacular para romper el círculo que se había cerrado con un plano que regresaba, con lejana voz en off y en una doliente oscuridad, a la sala de estasis donde amanecían las recurrentes pesadillas de Ellen Ripley, enredada en un juego de ataques y contraataques con su antagonista, el monstruo, hasta quedar fundidos ambos -tanto en sentido orgánico como industrial- en un solo ser, en una dualidad.

Así pues, Alien: Resurrección parte de este concepto final para, en un nuevo salto temporal y tecnológico, recuperar a la sufrida teniente por medio de una clonación que, entre otros frutos, deja fusionadas la genética de la mujer con la del xenomorfo. Esa lectura temática acerca de la sexualidad y el parto que rondaba Alien, el octavo pasajero y se prolongaba en Alien³ se encuentra aquí materializada de forma explícita, desde el cordón umbilical de la cría y la placenta que envuelve a la protagonista resurrecta, hasta el alumbramiento intercambiable -el nacimiento vivíparo de la definitiva criatura híbrida, de aspecto y funcionamiento bastante grotesco, a decir verdad-. Del hijo de Kane, como lo llamaba el androide Ash, al hijo de Ripley, integrada ya en el linaje de los monstruos que combate para defender a la humanidad y, de hecho, metamorfizada en el arma definitiva contra ellos. Asimismo, se reedita la maternidad adoptiva que en Aliens: El regreso se enfocaba hacia esa pequeña cuya salvación significaba la salvación de la especie, aquí enfocada, paradójicamente, sobre una joven sintética que, citando a Blade Runner, es “más humana que los humanos”.

         En este sentido, Ripley vuelve a fundirse con el xenomorfo, aunque esta vez no en una cuba de plomo incandescente, sino succionada por una masa palpitante de aliens, donde se deja tragar con los ojos cerrados, relajada, con cierta sensualidad. En un vistazo general, el planteamiento es coherente con el arco total del personaje, si bien mirándolo más de cerca durante el camino, por momentos parece desquiciarlo, sin saber muy bien cómo darlo continuidad de manera natural, más allá de dejándose llevar por el delirio en el que se sume todo.

Aunque lo cierto es que, en cada secuela, Ripley nunca es la Ripley del Nostromo. En Aliens: El regreso despertaba del hipersueño 57 años después del trauma, lejos de su tiempo y de su vida, reservando además cierto margen para el campo de lo onírico que podría renovarse en Alien³ como una nueva pesadilla a la que despierta de golpe, en un nuevo círculo del infierno. En un acto de sinceridad, Alien: Resurrección reconoce verbalmente esta situación: que esta Ellen Ripley ya no es Ellen Ripley, sino otra cosa. No es una oficial de un carguero comercial -es decir, un camión con ínfulas-, sino una entidad sobrehumana que viaja por el tiempo y el espacio. Superheroica, podría decirse, puesto que, al igual que muchos de los superhéroes, es una mutación.

         Con guion de Joss Whedon -que andando el tiempo se convertiría en el gran revisor y actualizador del relato superheroico con su trabajo en la división cinematográfica de Marvel-, Alien: Resurrección marca un abrupto cambio de tono respecto a la degradada y terminal Alien³ y, de paso, frente al resto de la serie. De tan alocada, es festiva. El humor posmoderno y la violencia frívola del dibujo animado -así como un abuso de la permisividad lógica vinculado a esta esencia comiquera medianamente irreverente- vibran en las imágenes que entrega Jean-Pierre Jeunet, quien ya había creado mundos fantasticos tan tétricos como farsescos en Delicatessen y La ciudad de los niños perdidos. En esta, las sombras deforman los rostros no para acentuar su dualidad y su conflicto, sino para volverlas máscaras cómicas, bizcas, ridículas. También induce a ello la selección de actores, en los que el francés recupera rostros tan peculiares como los de Ron Perlman y Dominique Pinon para interpretar personajes más bien estrafalarios.

         Dando la espalda a buena parte de la mitología de la saga -en especial la siniestra compañía Weyland-Yutani-, Alien: Resurrección da de sí el círculo hasta cerrarlo en un punto que ni siquiera aparecía en el original: el regreso a la Tierra. Por ahora, tras dos precuelas para asentar los orígenes del ciclo –Prometheus y Alien: Covenan– y con otra nueva secuela estancada en el rumor, ahí queda la historia.

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Nota IMDB: 6,2.

Nota FilmAffinity: 5,6.

Nota del blog: 6.

Capitán Phillips

7 Nov

La primicia, en El Peliculista.

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Viento en las velas

24 Feb

“La infancia tiene sus propias maneras de ver, pensar y sentir; nada hay más insensato que pretender sustituirlas por las nuestras.”

Jean-Jacques Rousseau

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Viento en las velas

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Viento en las velas

Año: 1965.

Director: Alexander Mackendrick.

Reparto: Deborah Baxter, Anthony Quinn, James Coburn, Benito Carruthers, Nigel Davenport.

Tráiler

 

             No es La isla del tesoro, ni Capitanes intrépidos, ni las aventuras de Los Cinco. Como en las dos primeras, el mar, con sus abruptos contrastes de belleza y desolación, sirve el escenario para el crecimiento moral y emocional del niño, para la pérdida de su inocencia si es que alguna vez la tuvo. Una niña, en esta ocasión, que forma parte de una patrulla de cinco hermanos embarcados en las más inverosímiles aventuras, como en el tercer caso.

Sin embargo, en Viento en las velas, basada de la novela Huracán en Jamaica, de Richard Hughes -de la cual el realizador, Alexander Mackendrick, era admirador confeso-, el viaje iniciático está poblado de malicioso humor, los niños distan de ser querubines cándidos y desprotegidos, y la más densa amargura, descerrajada sin paños calientes y sin rebajar con azúcar, forma también parte indisociable de la experiencia, como en la vida misma.

No se trata, ni mucho menos, de una película infantil.

            La pequeña Emily (impecable Deborah Baxter, ayudada por su aspecto nada angelical), hija de colonos británicos en el Caribe y enviada junto a sus hermanos a civilizarse a Inglaterra, vive una revelación cuando ve ascender por la proa del barco-guardería al rudo y malencarado capitán Chávez (Anthony Quinn, exagerando su acento mexicano y explotando las contradicciones entre su aspecto brutal, su vis cómica y su capacidad para generar emociones), líder de un desarrapado grupo de piratas. Es el encuentro con el modelo vital a imitar con desesperada vocación. Porque, de hecho, son los niños quienes en realidad abordan el barco pirata.

            No obstante, como decíamos, esta no es una comedieta de medio pelo basada en la ruptura de los arquetipos de conducta propios de los niños para que estos hagan enloquecer a unos a priori temibles adultos –entre los que figuran tipos tan duros como el gran James Coburn o el propio Quinn-, reducidos al ridículo a partir de esta apariencia peligrosa que no sería tal.

Todos ellos son individuos fuera de su elemento, efectivamente –incluso el barco pirata sigue fiel al viento y las velas en un mundo que hace tiempo descubrió la navegación a vapor-, pero la lógica de  las actitudes, los comportamientos, y los acontecimientos se mantiene en esencia dentro de los parámetros de la verosimilitud.

Los niños, por tanto, no son cursis, ni irritantes, ni sus ocurrencias suenan a impostura. Ellos actúan con la lógica incomprensible y genial de la infancia, ajena a su típica y mentirosa idealización, en la que la muerte y la religión son conceptos abstractos y difusos que pueden provocar indiferencia o burla y el instinto es lo suficientemente fuerte para intuir el bien y el mal y, acaso, puede inclinar a sentir una fascinación retorcida, inconsciente o simplemente interesada, por qué no, por este último.

            La vida en el barco de Chávez y su supersticiosa tripulación puede ser una aventura que vaya de asombro en asombro, de juego en juego, y, aun así, Viento en las velas no escatima en absoluto en dar agresivas y perturbadoras muestras de la turbulencia real del choque de los críos con la vida de estos bandidos y forajidos: la violencia sexual, ejercida sobre otra cautiva adolescente y hasta sugerida en ocasiones sobre la niña protagonista, sobrevuela el relato desarmando su apariencia de cine familiar, aguijoneando al desprevenido espectador como una avispa.

            Con la dirección de un Mackendrick pletórico, sagaz, rotundo y sutil a la hora de jugar con los ritmos y, en especial, el tono de su película, la historia avanza bajo sus excelentes y divertidas formas de aventura clásica hacia una contundente, emotiva y al mismo tiempo hermosa, agria y cáustica resolución atravesando un camino que para nada es dulce, sino que, por contra, cada vez se aprecia más melancólico, turbio y angustioso a pesar de la viva, profunda y en ocasiones ambigua relación entre un bribón que reencuentra el oro alojado en su pecho y una niña con ansia por experimentar las apasionantes vivencias, fuertes emociones e indómita libertad que ve reflejadas en el basto rostro del capitán.

Una joya.

 

Nota IMDB: 6,7.

Nota FilmAffinity: 7,5.

Nota del blog: 9.

Clash Of Empires: Battle For Asia

28 Jul

“Hacer películas es mejor que limpiar retretes.”

Klaus Kinski

 

 

Clash Of Empires: Battle For Asia

 

Año: 2011.

Director: Yusry Kru.

Reparto: Stephen Rahman Hughes, Gavin Stenhouse, Jing Lusi, Khir Rahman.

Tráiler

 

 

            Un peplum malayo –nación en auge en los oscuros territorios de Cinetube- se antoja una idea tan bizarra y descabellada que despierta una curiosidad irresistible. Aunque el hemisferio cerebral contrario te augure que su visionado será una mala idea.

Clash Of Empires: Battle For Asia, el filme más caro de la historia del país asiático, pretende recrear la leyenda de uno de los patriarcas locales, el rey Merong Mahawangsa, primer monarca de Langkasuka, en la península de Malaca del siglo II d.C., el cual se afirma era descendiente del mismísimo Alejandro Magno y pasó buena parte de su vida en el Imperio romano, para quien, como experto navegante que era, realizaría diversas misiones comerciales en China antes de naufragar en sus procelosos mares y fundar su propio reino en las costas malayas.

            La película presenta un argumento en el que Marcus, hijo del emperador romano Adriano –idea extraña, puesto que fue un emperador sin descendientes naturales, probablemente a causa de que le gustaban más los caracoles que las ostras-, un muchacho que parece salido de un MBA en Eton College, ha de unirse en nupcias, con el propósito de contribuir a la paz mundial, con la princesa Meng Li Hua, heredera del Imperio chino; a medio camino para ambos, para que nadie sea más que el otro, en la península de Malaca, unas tierras que casualmente viven en el semibarbarismo y la anarquía. El hundimiento de su flota hace que Marcus emplee a sus órdenes a Merong, un bribón pendenciero de misterioso pasado pero hábil marino, muy útil también a la hora de combatir a los malvados y sobrenaturales piratas de las costas malayas.

            Luciendo una ambientación a base de decorados propia de una telenovela de cierto relumbrón barnizada generosamente con un CGI no menos malo que una fotografía lamentable que incrementa exponencialmente el feísmo y el aspecto enturbiado de los efectos especiales y con unos actores que no llegan al nivel de los entrañables intérpretes venezolanos –quizás es culpa mía, que no comprendo la gestualidad propia del actor malayo-, Clash Of Empires está construida a base de coleccionar clichés que ya eran viejos cuando congelaron a Disney –negación del matrimonio de conveniencia, desheredado que encuentra su destino, princesas belicosas y con carácter,…- remozados con influencias de éxitos del Hollywood contemporáneo –Piratas del Caribe, por ejemplo-, en lo que acaba por ser un relato de aventura épica con una estructura insensata, que transcurre a bandazos sin orientarse demasiado, y con un sentido del ritmo atroz, ayudado precisamente porque ese festival de tópicos permite incluso adivinar los diálogos de cada escena.

Mala con avaricia.

 

Nota IMDB: 4,3.

Nota FilmAffinity: -. 

Nota del blog: 2.

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