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Tommy

25 Abr

Maltratos familiares, discapacidad psicosomática, ídolos de barro, efervescencia hippie y música pop. Ken Russell y The Who unen sus fuerzas para llevar al cine la ópera rock Tommy. Análisis para la sección Films de culto del siglo XX de Cine Archivo.

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The King of Pigs

9 Mar

“La educación es la mejor vacuna contra la violencia.”

Edward James Olmos

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The King of Pigs

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The King of Pigs

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Año: 2011.

Director: Yeon Sang-ho.

Reparto (V.O.): Yang Ik-Jooun, Oh Jong-se, Kim Hye-na, Kim Kkot-bi, Park Hee-von.

Filme 

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           Existe un momento capital en la vida de una persona en el que, más que en cualquier otro instante, todo acontecimiento que le suceda puede engrandecer o arruinar su vida futura. La primera etapa de la adolescencia es un trance donde la vorágine del cambio –el afloramiento de las hormonas en la pubertad, el afloramiento y la asunción de la propia sexualidad, el paso a una enseñanza superior, la adquisición de responsabilidades, la búsqueda de un lugar propio dentro una sociedad que se percibe hostil- puede arrastrar al individuo, especialmente frágil y modelable, hacia caminos insospechados que en adelante serán decisivos en su configuración como adulto.

           Desde una perspectiva adulta marcada por un estrepitoso fracaso –la presentación de los protagonistas, antiguos amigos, los muestra alucinando ante un cadáver femenino y pateando a su novia por una cuestión de celos, respectivamente-, The King of Pigs rastrea en este rito de paso determinante, compartido y traumático para hallar las razones que conducen a este presente descorazonador.

Por medio de una serie de flashbacks que se encadenan a lo largo de la inesperada conversación entre los dos personajes, el filme descubre a dos muchachos que, empujados al límite de su resistencia psicológica, tratan de rebelarse contra la rígida sociedad surcoreana de los ochenta, condensada en un instituto donde los estamentos de poder se encuentran rígidamente delimitados por la edad, la fuerza y, especialmente, por la ascendencia familiar y económica, siempre con la violencia como herramienta de control y conservación, en paralelo a la de un país oprimido y empobrecido por la dictadura militar.

De esta manera, intermediado por la figura carismática de Chul, un chaval que decide combatir a los animales adoptando el papel de monstruo –es decir, superándolos en ferocidad-, The King of Pigs plantea un agrio combate interno entre el Bien y el Mal; entre la resistencia pasiva y la rebelión agresiva contra el eterno rasero que, ahora y luego, discrimina a los perdedores de los ganadores.

           Yeon Sang-ho, uno de los estandartes en el todavía incipiente género de la animación de la joven y pujante industria del cine de Corea del Sur, compone una película oscura y hostil en el que los trazos ásperos y feístas -que salen a relucir sobre todo en las escenas cargadas de rabia emocional-, punteados asimismo por intromisiones de lo fantástico, se fusionan con un trasfondo temático hostil que se torna más pegajoso e incómodo a medida que avanza el metraje y la virulencia que envuelve los dilemas que asaltan a los dos compañeros de infortunio adolescente.

No obstante, la densidad llega a tal punto que puede resultar agotadora y, quizás, siguiendo esta deriva, el libreto también fuerce en exceso la perturbadora sordidez de la aproximación, en especial de cara a componer un desenlace catárquico más tremendista –e incluso extraño- que efectivo en sus intenciones.

 

Nota IMDB: 6,6.

Nota FilmAffinity: 6,7.

Nota del blog: 6,5.

Lunas de hiel

17 Dic

“Siento decir que una emoción tan noble como el amor es responsable de mucha más violencia que la pornografía.”

Milos Forman

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Lunas de hiel

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Lunas de hiel.

Año: 1992.

Director: Roman Polanski.

Reparto: Peter Coyote, Emmanuelle Seigner, Hugh Grant, Kristin Scott Thomas.

Tráiler

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            Muchos son los literatos –Ernest Hemingway, Francis Scott Fitzgerald,…- que cita como referencia Oscar (Peter Coyote), escritor que compensa su falta de talento disfrutando de los placeres de París, condensados todos ellos en una mujer, la fascinante Mimi (Emmanuelle Seigner). Muchos para que, al final, sus memorias, relatadas a un pacato británico (Hugh Grant) de crucero con su esposa (Kristin Scott Thomas), terminen asemejándose a un melodrama sureño del atosigante Tennessee Williams festoneado con fuegos artificiales de sadomasoquismo.

            Roman Polanski arremete en Lunas de hiel contra el matrimonio tradicional desvelando la crueldad mutua que pueden ejercer, el uno sobre el otro, dos seres que se quieren hasta la desesperación, al mismo tiempo que, de paso, representa lo ridícula que es en realidad la arcaica figura del macho (supuestamente) dominante. El problema es que para tal fin se sirve de una historia bullente de excesos y de personajes de cartón piedra.

El mensaje es palmario, pero dentro de este descenso a los infiernos de la pareja -consumado por degradaciones amorosas, sexuales y morales que dan lugar a un destructivo entramado de traiciones, venganzas y humillaciones-, es difícil creerse a los implicados, comprender qué les pasa y por qué y, en consecuencia, interesarse por ellos o sentir en la propia piel lo que parecen estar sintiendo sobre el escenario.

Tampoco ayuda la pesadez de la estructura, fundamentada sobre recuerdos que se manifiestan en forma de sucesivos flashbacks y la continua voz en off de narrador omnisciente, interrumpidos para mostrar cómo su conocimiento perturba y atrae a partes iguales al oyente de turno que, aquí, ejerce como traslación del propio espectador, ciudadano de a pie de ética corriente y, presumiblemente, sin vicios reseñables. En definitiva, la exposición del mórbido poder de seducción de la oscuridad, de la mujer fatal, de la vampiresa –incluso la succión de sangre es literal en cierta escena-.

            Espesa y excesivamente voluminosa, destaca de Lunas de hiel la enfermiza atmósfera de sus fotogramas, viciada y extenuante, así como el juego sádico con los puntos de vista respecto del reparto de taras y culpabilidades, que concierne tanto en la relación depravada y obsesiva de Oscar y Mimi como al impecable matrimonio británico, que dista de ser idílico bajo su enamorada superficie –los filtreos, los pequeños reproches, la conversación sobre los hijos-.

Virtudes insuficientes, no obstante, para soportar 140 minutos de metraje y para lo que puede exigirse de un autor como Polanski.

 

Nota IMDB: 7,1.

Nota FilmAffinity: 7,1.

Nota del blog: 4,5.

Suspense

22 Oct

“Verás, dicen que la gente siente miedo porque tiene imaginación. Así que no imagines nada y serás valiente como ninguno.”

Señor Park (Oldboy)

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Suspense

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Suspense.

Año: 1961.

Director: Jack Clayton.

Reparto: Deborah Kerr, Martin Stephens, Pamela Franklyn, Megs Jenkins, Peter Wyngarde, Clytie Jessop, Michael Redgrave.

Tráiler

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           Cualquiera que una noche se haya sumergido hasta el fondo en una película de terror, por absurdo que en realidad fuese su argumento, sabrá que atravesar luego el pasillo oscuro de casa en dirección al cuarto de baño es una tarea ardua y problemática, que requiere una gran dosis de cautela, determinación y valor. Lo que quiero decir con esto es que, en sentido estricto, la esencia del miedo procede en la mayoría de casos de asociaciones mentales que desencadena, exclusivamente, la sensibilidad particular, las influencias adquiridas y la imaginación del individuo que lo padece.

           Primera adaptación en la gran pantalla –no así para la televisión- de las numerosas versiones que consta el relato Una vuelta de tuerca, de Henry James, y una de las diez obras de terror predilectas de Martin Scorsese, elogiada asimismo por autores como François Truffaut o Guillermo del Toro, Suspense juega con ese conflicto entre realidad y fantasía que mana de la mirada asustadiza e impresionable de una inexperta institutriz, criada en los severos preceptos del anglicanismo y que ha de hacerse cargo con total responsabilidad de dos huerfanitos abandonados en una aislada mansión de campo por su egoísta y seductor tío, dueños en su interior de un escabroso secreto.

           Sin trampa ni cartón, honesto y habilidosísimo a la hora de alimentar pero nunca justificar plenamente el punto de vista de su protagonista, Jack Clayton, con guion de William Archibald y Truman Capote, desarrolla un intenso ejercicio de terror que mezcla con admirable equilibrio una vertiente gótica, de fantasmas y casas encantadas, con otra faceta psicológica, que exprime el aparente duelo mental entre adulto y niño.

De este modo, desde el estremecedor prólogo -dilatado y sumergido en una negritud insondable como la muerte que se prolonga en unas manos trémulas y suplicantes, subrayadas por un mensaje delirante-, la soberbia composición de atmósfera rompe con el entorno idílico de la campiña iglesia mediante imágenes malsanas y retorcidas, ruidos intimidantes y silencios aún más inquietantes, apariciones en la distancia y actitudes de aberrante ambigüedad por parte de unos personajes infantiles de inmaculada inocencia, todo ello envuelto en el denso blanco y negro de Freddie Francis.

Siguiendo estas premisas, la interpretación de los críos Martin Stephens y Pamela Franklyn resulta fundamental, incluso en la ocasional artificiosidad de sus diálogos, para el propósito de la obra, así como en especial la evolución que una excelente Deborah Kerr, manifestada a través de la mutante expresión sus ojos.

           Elegante y perversa, Suspense -mediocre título para el original The Innocents– propone un estimulante juego macabro para la mente del espectador, también abandonado, al igual que la aprensiva institutriz, en medio de una perturbadora incertidumbre.

 

Nota IMDB: 7,9.

Nota FilmAffinity: 7,9.

Nota del blog: 8.

La segunda mujer

21 Sep

“La comedia es más difícil que el drama.”

George Roy Hill

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La segunda mujer

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La segunda mujer.

Año: 2012.

Director: Umut Dag.

Reparto: Begüm Akkaya, Nihal G. Koldas, Vedat Erincin, Murathan Muslu, Alev Irmak, Aliye Esra Salebci.

Tráiler

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            Comentaba el otro día con Carlos Fernández, administrador de Bandeja de Plata, que aunque es cierto aquello de que la realidad supera la ficción y que la vida es capaz de cebarse en la tragedia con un mismo individuo, a un servidor siempre le costará tragar con la acumulación excesiva de desgracias en sobre un mismo personaje o colectivo de un filme, a no ser que el realizador tenga la afortunada decisión de convertirlo en comedia.

Suele ocurrir con el cine social/comprometido, que tiende a sobrepasarse en su afán educativo, concienciador y moralizante y, a causa de ese abuso de ejemplificación, puede perfectamente hundirse en un mensaje discursivo y plano. No es nada nuevo, sucede desde el cine de propaganda soviético hasta el neorrealismo de países en desarrollo, desde Surcos hasta Biutiful en territorio patrio. Más o menos afortunadas como dramas, qué excelentes películas serían todas ellas si se unieran sin prejuicios a las carcajadas crudelísimas de ¡Jo, qué noche!, La cena de los idiotas o la serie Curb Your Enthusiasm.

            A partir del retrato de una familia asentada en Viena, La segunda mujer indaga en el desmoronamiento de la familia tradicional turca y profundiza en la prisión que ésta supone para la mujer musulmana a través de un tupido entramado de tensiones culturales –el choque con la Europa occidental, tangible aunque nunca se vea en pantalla-, generacionales –la rebeldía de la hija, una austriaca con hiyab-, clasistas –el enconado desprecio hacia el nuevo inmigrante rural- y especialmente sentimentales.

Y con total solemnidad entreteje en sus fotogramas una abundantísima sucesión de tragedias íntimas, engarzadas mediante una serie de clímax que apuestan fortísimo por desconcertar a la platea, ya sea por los abruptos giros argumentales que proponen, sea por su juego con mecanismos de suspense casi propios del thriller, tan poco sutiles como las metáforas verbales que mostrarán los diálogos. El resultado de estos requiebros de guion no son una sorpresa que acreciente la intensidad emocional del relato, sino una sorpresa que termina por distanciar al espectador respecto de la historia que se narra.

            Su planteamiento -un matrimonio falso organizado por la matriarca enferma de cáncer para asegurar la continuidad de su rol maternal-, era ya por sí altisonante, pero se aceptaba sin problemas como sugerente punto de partida dramático. Además, dejaba lugar a una relación interesante entre la maestra agonizante y la aprendiz repleta de vitalidad, más allá de las conclusiones machistas (o no) que se pudieran extraer de ella. En cambio, es esa estridencia melodramática tan forzada de su desarrollo la que termina por diluir el interés y la empatía de la propuesta, a pesar de que el reparto pone un apreciable empeño en su trabajo.

 

Nota IMDB: 6,8.

Nota FilmAffinity: 6,5.

Nota del blog: 4.

Cromosoma 3

22 Ene

“No me gusta tener demasiada información cuando voy al cine. No me interesa si el actor se encuentra en medio de un proceso de divorcio o si aquella otra persona es alcohólica.”

Keira Knightley

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Cromosoma 3

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Cromosoma 3.

Año: 1979.

Director: David Cronenberg.

Reparto: Art Hindle, Oliver Reed, Samantha Eggar, Henry Beckman, Nuala Fitzgerald, Cindy Hind, Susan Hogan.

Tráiler

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            En el caso de los autores, el estado de ánimo y la situación personal pueden afectar de manera decisiva a los argumentos y el tono de sus obras. Recuerden que Billy Wilder solía componer sus películas más alegres en tiempos de depresión, y viceversa.

            David Cronenberg, por aquel entonces empeñado en hacer aflorar una carrera que daría de sí títulos más que interesantes, plasmaba en Cromosoma 3 parte de la rabia y la impotencia causada por el proceso de divorcio de su primera mujer. Su propia ira puede verse reflejada en las quejas del protagonista, separado de su esposa tras el internamiento de ésta en una clínica psicológica, a propósito de la radical preeminencia de la figura materna en lo que a la custodia de los hijos se refiere. Y es que, acogiéndose a las palabras del propio director, Cromosoma 3 no es más que su versión particular de Kramer contra Kramer.

            Dejando de lado este aspecto biográfico y privado de la película, Cromosoma 3 ofrece muchas de las señas de identidad -esta vez cinematográficas- que poblarán la primera parte de la filmografía del cineasta canadiense, en la que la mirada fantástica queda establecida a modo de reflejo deformado de la realidad.

La descomposición de la sociedad occidental y la decadencia moral del individuo indefenso, aquí centrada en la disolución de la institución familiar, se manifiesta en forma de monstruos, los cuales son de forma paralela la somatización material de la enfermiza condición psicológica y emocional de los personajes.

            Una incisiva sensación de repulsa se apodera de la atmósfera del filme, malsana y desasosegante, estimulada además por la repugnante fisicidad de los efectos especiales, proclives a deleitarse en esa citada desfiguración exterior que no es sino la expresión de una malformación interna. Ambos factores se ven favorecidos por las mayores posibilidades técnicas que concedía un presupuesto más holgado respecto a anteriores proyectos de Cronenberg, obtenido gracias al impacto causado por Vinieron de dentro de… y Rabia, cintas también muy personales y angustiosas, si bien de factura más tosca.

No obstante, la excesiva acumulación de componentes delirantes –locura heredada en la sangre, maltrato infantil, dudosos tratamientos psicológicos, hipnosis, criaturas de pesadilla,…- y otros detalles técnicos como la desmedida aplicación de una banda sonora intimidante, recargan y sobresaturan la densidad turbadora de la película, lo que tiene como resultado un efecto contraproducente para sus objetivos.

 

Nota IMDB: 6,9.

Nota FilmAffinity: 6,4.

Nota del blog: 6.

Padre Patrón (Padre padrone)

23 Sep

“Antes de leer su libro, nos pareció muy extraño que Ledda hubiera elegido, como instrumento para su liberación, la palabra, la comunicación. Y lo vivimos como algo muy cercano, porque también nosotros nos dedicamos a la comunicación, aunque con otro tipo de lenguaje. En cierto modo, su autobiografía era la nuestra.”

Paolo y Vittorio Taviani

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Padre Patrón (Padre padrone)

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Padre Patrón.

Año: 1977.

Directores: Paolo Taviani, Vittorio Taviani.

Reparto: Saverio Marconi, Omero Antonutti, Marcella Michelangeli, Fabrizio Forte, Stanko Molnar, Nanni Moretti.

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            Extintas las últimas llamas del Neorrealismo a finales de la década de los cincuenta, disperso entre los rescoldos de la commedia all’italiana y ahogado el cine de aspiraciones estrictamente comerciales, una nueva hornada de realizadores italianos decidía dar un paso al frente para asumir el relevo de la conciencia social si bien adoptando perspectivas y estilos del todo particulares.

Entre estos jóvenes cineastas, los hermanos Paolo y Vittorio Taviani proponen una obra en la que se amalgaman una firme vocación de denuncia -auspiciada por su militancia en el Partido Comunista y enmarcada tanto en la actualidad como en una lectura crítica de la Historia-, junto con la devoción por los clásicos de la literatura, con León Tolstoi como autor de cabecera, y el desarrollo de un sello artístico personal de notables aspiraciones estéticas.

            Padre Patrón es una de las cumbres de su filmografía, avalada por la Palma de Oro obtenida en el festival de Cannes de 1977, y una de las muestras más representativas de su cine. A través de la autobiografía de Gavino Ledda, lingüista y escritor autodidacta, los hermanos Taviani se embarcan en la exploración de la Cerdeña profunda, imagen de la Italia recóndita y atávica, tierra atropellada por el paso del tiempo.

            Es precisamente Ledda quien, entrometiéndose en el prólogo del filme para fusionar documental y representación de ficción, introduce al espectador en un mundo lejano y próximo a la vez, recreación del contexto sociológico y privado del escritor desde un punto de vista en el que el aspecto más prosaico e inmisericorde de la pobreza y la opresiva situación familiar del protagonista se entreteje con notas de lirismo mágico.

De notable calidad plástica en la composición del plano, un sorprendente empleo del sonido, el silencio y la música, y de gran sugerencia en su incorporación de elementos fantásticos en permanente contraste con su realismo sucio, es también una plasmación próxima en ocasiones, dada su crueldad, al tenue pero despiadado surrealismo con el que Luis Buñuel retrataba por su parte a la España negra.

            La fuerza telúrica de ese rito iniciático del pastor en la soledad del campo, guiado en principio por los consejos cariñosos y las palizas feroces del padre, la comunión ancestral del género humano en base a sus instintos primarios, la toma de conciencia de su individualidad por medio de la música y las letras, la apertura obstinada de su camino individual gracias al aprendizaje y la cultura, liberado entonces del sometimiento y la violencia por la posesión de la palabra. Es esta la crónica del viaje íntimo y épico a través del cual el individuo reconoce y fragua su propia personalidad rebelándose contra la tiranía de la figura paterna, representación alegórica y magnificada de toda autoridad tradicional, ya sea en su aspecto familiar, económico, político e incluso divino.

            El hechizo hipnótico de los fotogramas provoca que el espectador se sumerja en un periplo vital único aunque en modo alguno intransferible, ligado a un contexto económico y social determinado producto directo e indisociable de la miseria y la ignorancia galopante –ya se encargará de advertir de ello el progenitor durante su furibunda irrupción en la escuela, contestado en el futuro por la significativa camisa roja, distintivo del comunismo italiano, que vestirá el protagonista-.

Sensibilidad y compromiso, en definitiva.

 

Nota IMDB: 7,2.

Nota FilmAffinity: 7,5.

Nota del blog: 8,5.

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