Tag Archives: Fraude

¿Ángel o diablo?

2 Dic

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Año: 1945.

Director: Otto Preminger.

Reparto: Dana Andrews, Alice Faye, Linda Darnell, Charles Bickford, Anne Revere, Percy Kilbride, Bruce Cabot, John Carradine.

Tráiler

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           Durante el planteamiento de ¿Ángel o diablo? puede percibirse con claridad el reparto de estereotipos que prepara el argumento: desde el buscavidas desencantado y de vuelta de todo que se da de bruces con su destino porque no tiene dinero para llegar más lejos, hasta el policía veterano con el instinto curtido en mil batallas, pasando los primos que servilmente le bailan el agua a la respectiva femme fatale de este lugar dejado de la mano de Dios. No existe rastro, pues, de la dicotomía que plantea el título en español del filme –originalmente un más trágico Fallen Angel, “ángel caído”-.

Corresponde entonces al desarrollo ir desdibujando las líneas prefiguradas de los personajes hasta, curiosamente, igualarlos por el efecto pernicioso de la vampiresa, bajo cuyo influjo seductor subyace una sociedad corrompida hasta la médula.

           ¿Ángel o diablo? retrata paulatinamente las miserias de un pueblo cualquiera donde cada uno de los individuos que lo moran comparte una profunda podredumbre moral que termina exhibiendo de una u otra manera. Incluso el protagonista no duda en emplear para sus propósitos las artes propias de esa figura de femme fatale. Sin requerir siquiera del tradicional efecto opresivo de la arquitectura urbana –la de la vecina San Francisco por ejemplo, una de las capitales del noir- semejante paisaje humano se basta para degradar la atmósfera noir del filme hasta, de la mano firme de Otto Preminger, hacerla irrespirable. No solo por la villanía que se palpa en ella, sino especialmente por el descorazonador patetismo que exuda esa colección de acciones inicuas provocadas por el hechizo de una mujer con el rostro de la perdición (Linda Darnell).

           Mediante un contundente giro de guion, el conflicto criminal se torna en conflicto moral, representándose definitivamente ese dilema antes aludido en las entrañas del perdedor natural Eric Stanton (Dana Andrews), acosado por las faltas propias y el comportamiento dudoso, obsesivo o amenazador de aquellos extraños que le rodean. Ya había demostrado antes ser un playboy atípico, que juega al despiste volcando sus cartas encima de la mesa, lo que convierte en más inquietantes las reacciones que se encuentra a su jugada, sobre todo por parte de June (Alice Faye), a quien a priori le atañe personificar a la virgen inocente.

           La tensión que provoca primero el hechizo y posteriormente el enrarecido clima psicológico desencadenado permite funcionar a un engranaje argumental que presenta algunas piezas flojas y otras encajadas a la fuerza.

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Nota IMDB: 7,2.

Nota FilmAffinity: 7,1.

Nota del blog: 7,5.

Vorágine

22 Nov

Otto Preminger bajo el retrato de Laura Hunt. Vorágine, ordalía de una esposa alienada para el especial del terrible austríaco en Cinearchivo.

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La doncella (The Handmaiden)

15 Nov

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Año: 2016.

Director: Park Chan-wook.

Reparto: Tae-ri Kim, Min-hee Kim, Jung-woo Ha, Jin-woong Ho, So-ri Moon.

Tráiler

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           La doncella (The Handmaiden) supone el regreso a Corea del Sur de Park Chan-wook después de su aventura americana, Stoker, así como la recuperación de su trabajo como guionista, al que había renunciado en la anterior para desgracia de la producción, que no obstante mantenía unas cuantas líneas recurrentes de la filmografía del cineasta. Porque en La doncella, una vez más, nada es lo que parece. Tanto o más cuando narra la historia de una estafa protagonizada por dos trileros de barrio bajo coreano y una noble japonesa inocente y frágil, a la que pretenden desplumar su herencia por medio de un matrimonio engañoso y su posterior traslado tras los muros del manicomio.

           Park, libre de nuevo de los grilletes de Hollywood, desencadena igualmente su laberíntica arquitectura argumental para acompañarla de su no menos elaborado estilo formal, abigarrado y en ocasiones excesivo, por ejemplo, en el uso de los movimientos de cámara, tan insistentes y raudos como los giros de guion que propicia la estructura dual del relato: el anverso contra su reverso, el truco sobre el truco.

Por medio de estas maniobras pirotécnicas, el filme permanece en constante fluidez, mutando incesantemente para entretenimiento del espectador, que a partir de una intriga sobre fraudes choca repentina y violentamente en su viaje contra un dilema amoroso donde se discute sobre las inclinaciones viscerales del ser humano hacia ambiciones materiales o sentimentales. Y, más tarde aún, contra una farsa sobre la liberación femenina contra todo y contra todos. Virajes, transformaciones y sobresaltos entremezclados todas ellos con literatura erótica, terror psicológico, teatro de la crueldad y fantasía romántica; siempre sin moderación alguna -y hasta provocando evidentes contradicciones discursivas, en el caso de las escenas de alto voltaje sexual-.

           La doncella resulta arrebatadora por esa misma descarada, audaz y divertidísima desmesura, incluso a pesar de defectos como la renuncia de Park a la concisión narrativa, en especial en las fases más explicativas de la función, donde la obra corre el riesgo de perder su complejo equilibrio. Malsana, sarcástica, voyeurística, hechizante. Potentísima. La arrolladora factura visual no es un artificio puramente esteticista, sino que aparte de para deslumbrar la retina sirve también para sumergirse hasta la cabeza en las relaciones de este triángulo delictivo y amoroso, en las migajas de suspense que deja tras de sí la acción, en el estado mental y afectivo que atraviesan los personajes. En la descomunal caja de juegos y sorpresas que conforma este particular universo, en definitiva.

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Nota IMDB: 8,1. 

Nota FilmAffinity: 7,5.

Nota del blog: 8,5.

Galatasaray-Dépor (One Day in Europe)

10 Nov

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Año: 2005.

Director: Hannes Stöhr.

Reparto: Megan Gray, Lyudmila Tsevtkova, Andrey Sokolov, Luis Tosar, Florian Lukas, Erdan Yildiz, Péter Scherer, Miguel de Lira, Boris Arquier, Rachida Brakni.

Tráiler

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           No sé hasta qué punto es futbolero el alemán Hannes Stöhr, pero escoger al Galatasaray y al Deportivo de La Coruña para protagonizar una hipotética final de Champions League destinada a cristalizar en sí el sentimiento de unidad europeo, trasciende la alegoría geográfica –el extremo oriental del continente frente al confín occidental- para imbricarse en la estrictamente pasional. Aquella que, en concreto, surge de que el apodo que reciba familiarmente el equipo gallego sea el de ‘turcos’.

           Quizás la fortuna se alía de mejor manera que los cálculos intencionados para simbolizar un mensaje de pertenencia, solidaridad e identidad que, más de una década después del estreno, no cabe mirar sino con ternura, dada la deriva que ha tomado el proyecto común de Europa, reducido al cálculo contable como medida de funcionamiento, el resurgir nacionalista como reacción a la heterofobia renaciente entre vecinos y allegados, y la instrumentalización de un discurso político e ideológico en clave estrictamente economicista y de corte neoliberal.

           La misma blancura emocional –y por extensión política- se percibe en la serie de relatos que, a través de un esquema común –un robo, una investigación, una denuncia al seguro, la perturbación ensordecedora del fútbol-, recorren el Viejo Continente desde el estrecho del Bósforo hasta Finisterre, pasando por Moscú y Berlín. Desde el gol de Valerón hasta el de Hakan Şükür, perdiéndose en el horizonte por el camino de una eterna tanda de penaltis.

Son cuatro pequeñas historias que, con sus metáforas de fondo, cabalgan sobre los tópicos regionales, los prejuicios del desconocimiento, el leve y pintoresco costumbrismo, y una especie de celebración del encuentro desde las diferencias y las dificultades.

           Filmadas con academicismo –el estilo animado de la transición entre capítulos se aprecia además bastante envejecida-, ninguna de ellas posee gran recorrido argumental ni especial trascendencia analítica, más allá del objetivo global de recomponer con dulzura y amabilidad el puzle paneuropeo –hasta extremos improbables, como que un muchacho con la camiseta del Fenerbahçe cante los tantos del Cimbom-.

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Nota IMDB: 6,6.

Nota FilmAffinity: 5,4.

Nota del blog: 5,5.

El hombre de las mil caras

10 Oct

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Año: 2016.

Director: Alberto Rodríguez.

Reparto: Eduard Fernández, José Coronado, Carlos Santos, Marta Etura, Mireia Portas, Luis Callejo, Alba Galocha, Christian Stamm, Enric Benavent, Philippe Rebbot, Emilio Gutiérrez Caba.

Tráiler

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           Ahí va un tópico de la historiografía: la Historia la escriben los vencedores. O, como poco, los poderosos. Por ello es interesante la visión alternativa que, sobre determinados periodos del occidente contemporáneo, narra el cine negro, género enfocado a pie de callejón, desde las alcantarillas de la sociedad.

           Después de las notables Grupo 7 y La isla mínima, Alberto Rodríguez prolonga su reconstrucción de la España reciente con El hombre de las mil caras. Una historia del país que explora la tramoya detrás de la mitificación y el triunfalismo que arrastran consigo hitos como la Transición, la consolidación política y económica dentro del escenario internacional y la presentación de su nuevo y lavado rostro ante el mundo -los Juegos Olímpicos de Barcelona, la Expo de Sevilla-.         

La controvertida figura del espía Francisco Paesa sirve pues para enhebrar una serie de problemáticos capítulos de finales de los ochenta y principios de los noventa Eta, los Gal y principalmente el caso Roldan– a través de los cuales se dibuja un fresco tremendamente turbio de España. La mezquindad y la traición son los rasgos predominantes de un tablero en el que cada pieza juega a título individual, lo que paradojicamente compone un marco coherente en su ruindad y su miseria moral. El retrato sociopolítico no lo protagonizan malvados ultra inteligentes, como fabula la serie House of Cards -versión irrisoriamente épica de un mundillo movido por cuestiones mucho más vulgares y lamentables-. A lo sumo, son tipos que se pasan de listos. Yo solo hice lo mismo que todos“, se excusa Luis Roldán –exdirector de la Guardia Civil, exministro del Interior en potencia y rostro de la corrupción en España- mientras se desmorona entre lágrimas, insistiendo en que no es un villano, sino un hombre normal.         

           Rodríguez mantiene un sólido pulso en el relato, con la trama bien engrasada en su intriga y sus giros, aunque en el aspecto formal apuesta por aplicar tics populacheros que parecen innecesarios e incluso inconvenientes.

El director sevillano se decanta así por recursos espectaculares y, si bien no están carentes de jugosa ironía, otro estilo más sobrio o frío -el tradicional en el cine clásico de espías, cabe decir- le hubieran conferido mayor amargura a esta maraña de vicios y podredumbres que recoge el filme. Excelente Eduard Fernández.

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Nota IMDB: 7,4.

Nota FilmAffinity: 7.

Nota del blog: 7.

Profundo carmesí

4 May

“La pasión es lo único que lo justifica todo, hasta el más horrible de los crímenes.”

Luis Buñuel

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Profundo carmesí

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Año: 1996.

Director: Arturo Ripstein.

Reparto: Regina Orozco, Daniel Giménez Cacho, Julieta Egurrola, Marisa Paredes, Verónica Merchant.

Tráiler

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            Encontrar al ser amado, abandonar todo para entregarse a él en un viaje sin fin y enfrentarse contra el mundo hostil, a tiros si es necesario, por defender un romance vetado y marginal en el que la pasión ardiente colisiona y se funde con la melancolía de lo imposible. La de los amantes forajidos es una de las grandes fantasías de la ficción romántica, de apabullante capacidad seductora y que, en el cine, puede apreciarse en iconos dolientes y con variable grado de violencia como Solo se vive una vez, Los amantes de la noche, El demonio de las armas, Bonnie & Clyde –principal referencia real de este mito constantemente renovado-, Malas tierras o Asesinos natos.

En Profundo carmesí, él asegura parecerse a Charles Boyer, mientras que ella sueña, embebida en las revistas de chismorreos, con emprender un idilio de película con el actor francés –o con cualquiera que se preste a ello, en verdad-. La cinta de Arturo Ripstein se dedica a asestar mazazos a este paradigma de amantes a la fuga hasta transformarlo en una tragedia grotesca donde, por medio de los excesos de sus protagonistas, se derriba la fachada romántica del asunto para dejar al descubierto las pútridas entrañas de dos criminales esposados por una relación enfermiza y nauseabunda, casi forzosa a causa de las circunstancias y de la naturaleza de los implicados.

            La revisión planteada es interesantemente desmitificadora. El problema es que a los quince minutos de metraje se ha acumulado ya una cantidad de patetismo tan tremenda que cuesta trabajo digerir semejante carga y continuar la inmersión en la aventura antiépica de este embaucador al que le quedan grandes por igual los ropajes de caballero y de malvado, y de esta enfermera metida a Medea de derribo que además, con su físico adiposo y sus acciones obsesivas que nunca logran despegarse de una perturbadora sensación de esperpento, encarna por su parte la destrucción de otro arquetipo sublimado por el séptimo arte: el de la femme fatale.

            Sumergidos en una atmósfera permanentemente depresiva, antitética a la libertad que tradicionalmente parecen buscar los jóvenes de este subgénero, la pareja a la fuerza de Profundo carmesí emprende su trayecto hacia el desastre encadenando una serie de escenarios cerrados, de habitaciones de colores lánguidos repletas de sombras, moho y decadencia. Decorados desbordados por la degradación y a través de los cuales se retrata asimismo una sociedad cuyos habitantes viven consumidos por la soledad, sin poder agarrarse siquiera al autoengaño para salvarse de la miseria emocional en la que penan sus días, tan lamentables como estos dos rebeldes en armas.

            El filme, no obstante, evita emitir juicios severos contra sus criaturas y se muestra incluso comprensiva hacia la desesperación de estos monstruos cotidianos, cuyas deformidades son tan comunes como la calvicie, la gordura o la halitosis.

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Nota IMDB: 7,4.

Nota FilmAffinity: 7,2.

Nota del blog: 6.

Crueldad intolerable

2 Abr

“Yo creo en las familias numerosas: toda mujer debería tener al menos tres maridos.”

Zsa Zsa Gabor

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Crueldad intolerable

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Crueldad intolerable

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Año: 2003.

Directores: Joel Coen, Ethan Coen.

Reparto: George Clooney, Catherine Zeta-Jones, Geoffrey Rush, Cedric the Entertainer, Edward Herrman, Paul Adelstein, Richard Jenkins, Billy Bob Thornton, Julia Duffy, Tom Aldredge.

Tráiler                                                 

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            Es coherente que los Coen, expertos en dinamitar las postales del American Way of Life, encontraran en el romance de película un buen filón sobre el que colocar una nueva carga de dinamita satírica. Y eso que la autoría del material original de Crueldad intolerable no es suya, ya que trabajaron a partir de una historia previa firmada por una pareja de discretísimos guionistas de comedia, Matthew Stone y Robert Ramsey, y la cual llevaba unos cuantos años rondando por las catacumbas de los estudios, ya remozada por los propios cineastas de Minnesota en tiempos anteriores e incluso acariciado como proyecto para otro vehículo de lucimiento –uno más- a mayor gloria de los novios de América: Richard Gere y Julia Roberts.

Con todo, el toque de los Coen, de nuevo en posesión del texto, resulta evidente en la cinta, con escenas que llevan su sello de marca –la hiperbólica presentación de esa especie de divinidad terrible y lamentable encerrada en su tétrica torre de marfil- y a través incluso de sus traviesos jugueteos autorreferenciales, como ocurre en el radical cambio de Billy Bob Thornton en la velocidad del habla respecto a la previa El hombre que nunca estuvo allí, dentro de un proceso transformador muy semejante al sufrido por Steve Buscemi entre Fargo y El gran Lebowski.

            Así las cosas, no es de extrañar que la mentira sea la protagonista de la primera y última comedia romántica de los hermanos, o que el culto al dinero como sinónimo de liberación e independencia, tan arraigado en la cultura del país, sea otro irracional factor de (auto)engaño. Y es que, a fin de cuentas, contienen un grado idéntico de verdad –cero- los alegatos del implacable abogado matrimonialista para salvar la hacienda de los millonarios en trámites de divorcio (George Clooney) como las declaraciones amorosas de la cazadora de fortunas con quien entablará un duelo jurídico-sexual (Catherine Zeta Jones). Una guerra de sexos clásica, establecida a través de un duelo jurídico-romántico entre los protagonistas, y por medio del cual los Coen actualizan las ‘screwball comedies’ de los años treinta, con Clooney explotando su histrionismo seductor a lo Cary Grant y Zeta-Jones con la altiva rebeldía feminista a lo Katharine Hepburn –cada uno a su modo, se entiende-.

            Lo malo es que a Crueldad intolerable los gags no siempre le quedan tan medidos en agudeza y tempo como los que podría tener una de esas piezas alocadas de, por ejemplo, Howard Hawks. El libreto contiene algunas líneas con mordiente sarcástica y el metraje transcurre con soltura, pero perdura la sensación de que los cineastas no terminan de colonizar por completo del relato y éste permanece a medio camino entre la genialidad del toque Coen y la convencionalidad de sus hechuras, más evidente conforme se aproxima el desenlace y hasta un tanto contradictorias con el espíritu que, con buen tino, gobernaba la obra.

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Nota IMDB: 6,3.

Nota FilmAffinity: 5,5.

Nota del blog: 6.

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