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Territorio comanche

2 May

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Año: 1996.

Director: Gerardo Herrero.

Reparto: Imanol Arias, Carmelo Gómez, Cecilia Dopazo, Mirta Zecevic, Gastón Pauls, Bruno Todeschini, Natasa Lusetic, Ecija Ojdanic.

Tráiler

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           “Durante la época dura, en Sarajevo, a eso le llamaban ir de shopping. Se ponían el casco y los chalecos y se pegaban a una pared en la ciudad vieja, a oirlas venir. Cuando alguna caía cerca, iban corriendo y grababan la humareda, las llamas, los escombros. Los voluntarios sacando a las víctimas”. Territorio comanche traslada al cine la recopilación de reflexiones, nociones, atmósferas, anécdotas y pesares de las dos décadas como corresponsal de guerra, con siete participaciones en guerras civiles, que Arturo Pérez-Reverte había condensado en el libro del mismo título, escenificado en la Sarajevo asediada por los serbios en las Guerras yugoslavas de los noventa, la resurrección del monstruo en el satisfecho continente europeo. En torno al puente de Bijelo Polje.

           La fotografía plomiza y la iluminación tenebrosa de los fotogramas, cernidos sobre una ciudad mortuoria y fantasmagórica, se asimila al desencanto pesimista del periodista y escritor, con gotas de cinismo autoprotector y cierta voluntad ecuánime en el rescate de los restos humanos bajo las ruinas del horror. Hombre que siempre ha procurado cultivar y defender bien su personaje público, esa es la composición a partir del cual se modela a su alter ego, aquí caracterizado sobre Imanol Arias, y, con sus variaciones personales, a su visceral compañero de fatigas bélicas, un homenaje a José Luis Márquez que por su parte asume Carmelo Gómez, sempiterna cámara al hombro. Sin embargo, es una ambiciosa presentadora recién llegada (la argentina Cecilia Dopazo) la que detenta el punto de vista del relato, puesto que su condición de novata con pretensiones frente a estos perros tristes y viejos es la que ofrece las condiciones ideales para, a través de la pantalla, introducir al espectador, virgen en estas lides, en lo más crudo de un conflicto que, como todos los conflictos, es sinrazón, barbarie, caos, abuso y miseria.

           Por su credibilidad y viveza, la captura de la acción bélica en la que se mueven este circo ambulante de reporteros de guerra -la tensión, la amenaza y la fatiga e impotencia moral que se respira- ofrece una de las principales virtudes de la cinta.

Territorio comanche también puja por trasladar la convivencia, las motivaciones y las turbias cicatrices detrás de este grupo de seres perdidos y encontrados, obsesivamente inmersos en un cometido que ni siquiera tienen la certeza de que sirva para algo, para ese objetivo que no es tanto cambiar la tragedia como conocerla, desenmascararla y comprenderla -y eso por aquel entonces, ya que ahora probablemente se les pueda considerar una especie extinta-. Para este propósito, que probablemente fuese uno de los principales intereses de la prosa de Pérez-Reverte, el filme compone con solidez la superficie pero no logra rascar mucho más allá de ella, no termina de extraer el calado o la entidad que se puede intuir en el material de base, lo que hace cojear un tanto al conjunto, lastrado asimismo por decisiones artísticas poco pulidas, como el uso de la banda sonora que termina por rematar negativamente la estridencia de una especie de escena climática que tiene lugar llegando al desenlace.

Algo semejante ocurre con las deliberaciones y exposiciones acerca de la impotencia del observador y de la función del periodismo en la guerra, del papel de los medios -los domingueros contra los que gusta arremeter ferozmente al cartaginés, que a buen seguro hubiera arrojado más artillería de mortero sobre ellos- y en consecuencia del espectador que los alimenta; cuestión que se queda en un buen apunte -que puede que tampoco sea poca cosa-.

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Nota IMDB: 6,5.

Nota FilmAffinity: 5,8.

Nota del blog: 6,5.

Un día perfecto

1 Sep

“Una de las consecuencias de la guerra es que priva al hombre de su propio combate individual.” 

François Truffaut

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Un día perfecto

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Un día perfecto

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Año: 2015.

Director: Fernando León de Aranoa.

Reparto: Benicio del Toro, Tim Robbins, Olga Kurylenko, Mélanie Thierry, Fedja Stukan, Eldar Residovic, Sergi López.

Tráiler

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           Fernando León de Aranoa, firme defensor en contra la opinión popular de que no sobran sino que faltan películas sobre la Guerra Civil Española, conoce el valor de la anécdota para esclarecer el descomunal y catastrófico absurdo que esconde toda guerra fratricida, esté ambientada en las dos Españas de los años treinta o en los mil y un Balcanes de los noventa. Un absurdo que el cine -que no puede transportar por completo a la sala la histeria de la desesperación más atroz ni el penetrante hedor de la muerte-, incluso permite que pase por humorístico, regodeándose en la esencia patética de la cuestión. Pongamos por caso La vaquilla –y no es casual: en la presente los bovinos protagonizarán su también gag particular-.

           Estandarte del realismo social español, tan concentrado en su voluntad de denuncia que le supuso perder de vista la verosimilitud esencial en sus panegíricos acerca del marginal superviviente contra las injusticias de la sociedad, León de Aranoa ensaya con Un día perfecto un salto internacional que atañe tanto al argumento –las aventuras de un grupo de cooperantes de fontanería en el polvorín de las Guerras Yugoslavascomo en la producción, encabezada en el reparto por estrellas de elevado caché como Benicio del Toro, Tim Robbins y Olga Kurylenko.

Y, a partir de una anécdota –la imposibilidad de extraer un cadáver de un pozo de agua en un pueblo montañoso durante las postrimerías del conflicto, el periodo más propicio para la afloración del sinsentido-, se propone realizar un fresco cercano y humano de la última conflagración sangrienta en el territorio de la civilizada Europa. Un escenario ajeno a cualquier tipo de lógica y en el que la tarea más sencilla y sensata se convierte en una piedra de Sísifo que, a causa de su peso inclemente, potenciado por la mala sangre de la masa humana, la estulticia de una burocracia que hasta dista de ser bienintencionada en su ingenuidad –o ignorancia-, y, en definitiva, de la idiotez del mundo contemporáneo, es capaz de arrasar sin miramientos el aguante de cualquier idealista que se precie.

           Quizás el cambio al inglés ha permitido que el director y guionista recupere el pulso, la naturalidad y hasta el filo ocasional de sus diálogos, sin pretender alcanzar esas sentencias y parábolas ampulosas y excesivamente elaboradas marca de la casa que tanto pecaban de impostura –hay puntuales recaídas pero, eso sí, son menos pomposas- . El calzador se aplicará aquí a algunas piezas de la banda sonora del viaje, en especial al uso que se le da al Sweet Dreams de Marilyn Manson. La situación en sí misma es lo suficientemente elocuente como para no requerir subrayador, por lo que León de Aranoa se concentra en el desarrollo de las relaciones entre personajes, ensilladas en la estructura de road movie de la obra y de tibios hálitos westernianos de la mano sus dos llaneros solitarios de vuelta de todo, ejemplo de esa camaradería característica providencial en la filmografía del madrileño.

Esta dimensión humana y personal se erige así en el discurso clamoroso de la obra contra la deshumanización de la guerra y, asimismo, en lo más destacable de la función, a pesar de la coja construcción del personaje de Kurylenko, que tiene como efecto secundario el desfondamiento de algunas escenas en las que cobra papel principal. Por fortuna, la presencia de Del Toro y su buena química con Robbins ejerce de adecuado contrapeso.

           El cóctel de comedia irónica y drama bélico combina con sabor y sin demasiadas estridencias. Esto es, sin dejarse seducir por los cantos de sirena del tremendismo sentimental o de la bufonada fuera de tono. Pero asimismo, en oposición, Un día perfecto tampoco resulta una cinta especialmente incisiva en el aspecto político-bélico y le queda un retrato de la coyuntura a vuelapluma, bosquejado con loables intenciones pero poco más que eso. Entre los tópicos manidos –la inoperancia o la necedad de la ONU, principalmente-, sobrevuelan hallazgos que, al menos, dejan cierta huella propia, como la diferenciación entre los tipos de humor regionales.

Por su parte, las emociones, con ese citado autocontrol del cineasta, no chirrían, cosa que siempre es de agradecer, pero tampoco estallan y su rabia visceral permanece inusualmente contenida. Es así que, entonces, la película, aunque estimable, disfrutable y querible, permanece pequeña, temerosa -probablemente porque León de Aranoa ha chocado contra paredes de granito en sus últimos intentos-, a la hora de tirar la puerta debajo de una patada. Al contrario que La vaquilla.

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Nota IMDB: 7.

Nota FilmAffinity: 6,8.

Nota del blog: 6,5.

La vida es un milagro

8 May

“La región de los Balcanes tiene la tendencia de producir más historia de la que puede consumir.” 

Winston Churchill 

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La vida es un milagro

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La vida es un milagro

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Año: 2004.

Director: Emir Kusturica.

Reparto: Slavko Stimac, Natasha Solak, Vuk Kostic, Vesna Trivalic, Aleksandar Bercek, Stribor Kusturica, Nikola Kojo, Branislav Lalevic, Mirjana Karanovic, Davor Janjic.

Filme

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            En cierta manera, Emir Kusturica recoge en La vida es un milagro el tema y la sensibilidad, respectivamente, de sus dos largometrajes anteriores: Underground y Gato negro, gato blanco. Como la primera, el cineasta retorna a la Guerra de los Balcanes donde tanta polémica política encontraría a causa de su particular visión del conflicto y de la agonizante Yugoslavia. Y como la segunda, apostará por la felicidad y la búsqueda de los sueños como vía para escapar del horror circundante.

Porque, a pesar de los bombardeos que asedian su estación de tren en las montañas de la frontera serbobosnia, Luka Djukic (Slavko Stimac), el ingeniero procedente de Belgrado pero naturalizado en el lugar, mide su existencia a partir de su empeño en concluir la línea férrea entre ambas regiones y a partir del naciente romance con la joven musulmana Samaha (Natasha Solak), capturada para su intercambio con el hijo de Luka, Milos (Vuk Kostic), a quien el reclutamiento militar ha interrumpido su fichaje por el Partizán de Belgrado.

            Kusturica dibuja la sangrienta fractura yugoslava mediante el símbolo y la caricatura: el tren imposible, las bestias que vienen de Croacia, la correspondencia partidos deportivos y  batallas bélicas; Milos emulando al encolerizado Zvonimir Boban del Dinamo de Zagreb y el Estrella Roja de mayo de 1990 –“inicio” no oficial de las guerras yugoslavas-, la alusión a Romeo y Julieta con el recuerdo de fondo los jóvenes que morían abrazados bajo el fuego de un francotirador en Sarajevo,… Metáforas siempre contrapuestas a la épica voluntad de unión -con sus idas y venidas-, que personifican Luka y Samaha: superior a razas, identidades nacionales e ideologías políticas.

Con todo, a pesar del tono predominantemente entusiasta del filme –y un tanto ingenuo, dado el punto de vista de Luka-, el director y guionista no prescinde de reflejar las atrocidades del contexto, por mucho en su mayoría estén barnizadas con un amargo humor negro a través del cual, incluso, se avanzan males futuros como esa generación de “patriotas y empresarios” que hará fortuna en el país una vez concluida la debacle, tal y como se veía en Gato negro, gato blanco.

            Se trata, en definitiva, de un retorno al particular universo de Kusturica, donde lo que ocurre se halla a medio camino de la lógica y el surrealismo, de la ternura vigorizante y el dolor decepcionado. Un microcosmos extraño y reconocible que es dueño de una serie de motivos recurrentes –a los que por supuesto afecta el desgaste- y, asimismo, de unos defectos frecuentes como el desprecio de la concisión narrativa y, quizás, la falta de un paso adelante para rematar la construcción de los personajes, casi más acentuada que el complejo e inexplicable entorno cruel que les atrapa -si acaso, por su parte, afectado por una postura neutral que no logran romper ciertos villanos estridentes-.

 

Nota IMDB: 7,7.

Nota FilmAffinity: 7,3.

Nota del blog: 7.

Papá está en viaje de negocios

5 May

“La política es el arte de impedir que la gente se entrometa en lo que le atañe.” 

Paul Valery

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Papá está en viaje de negocios

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Papá está en viaje de negocios

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Año: 1985.

Director: Emir Kusturica.

Reparto: Moreno D’E Bartolli, Miki Manojlovic, Mirjana Karanovic, Davor Dujmovic, Pavle Vuisic, Mustafa Nadarevic, Mira Furlan, Slobodan Aligrudic, Emir Hadzihafizbegovic, Aco Djorcev, Amer Kapetanovic.

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           Ya desde el comienzo de su carrera, Emir Kusturica se convierte en uno de esos cineastas bendecidos por los festivales. Después de obtener el premio de la Fipresci y como mejor ópera prima en la Mostra de Venecia gracias a ¿Te acuerdas de Dolly Bell?, su primer largometraje para la pantalla grande, con su siguiente Papá está en viaje de negocios el joven realizador serbobosnio iniciaría su idilio con Cannes al coronarse con la Palma de oro del prestigioso certamen, prolongado con el galardón a mejor director por El tiempo de los gitanos y, de nuevo, la Palma de oro por Underground.

           Siempre interesado y comprometido con la conflictiva historia de la que considera su patria, Kusturica se retrotraería en esta ocasión al cambio de década entre los cuarenta y los cincuenta, instante en el que Yugoslavia rompía relaciones con la Unión Soviética de Josif Stalin, para investigar la influencia del régimen del mariscal Tito sobre una familia común de Sarajevo en la que el padre, empresario de clase media y adicto al Partido, caerá en desgracia a causa de un tibio comentario sobre una viñeta política.

           Si en ¿Te acuerdas de Dolly Bell? se analizaba el estado del volátil país desde la Sarajevo de los sesenta y la perspectiva de un adolescente en plena encrucijada existencial, en Papá está en viaje de negocios el punto de vista narrativo pertenece al benjamín de la casa; inocente, curioso y desenfadado por tanto.

A pesar del exceso de minutaje que lastra a la obra, el argumento conjuga con equilibrio el relato costumbrista y la exposición del opresivo clima político del periodo -infectado hasta la médula por las delaciones, traiciones, destierros, temores y coerciones-, con el entrañable desarrollo de las vivencias personales del chaval –la importancia de la pelota de fútbol, el primer amor, la pérdida de la inocencia sentimental, casi alegórica a la que experimenta la familia en el plano político-.

           De este modo, confluyen en sus fotogramas emociones contrapuestas, expresadas con veracidad y una notable empatía, a la vez que se intercalan lúcidas sentencias que desnudan el problemático contexto histórico yugoslavo, algunas de ellas dueñas de una estimable capacidad resonancia a través del tiempo y la distancia –“Todo es dinero; con las arcas vacías no existe la democracia”-. Un turbio drama nacional que se compensa así con una desencantada lectura satírica y el delicado empleo del humor, tierno pero en absoluto amable.

 

Nota IMDB: 7,9.

Nota FilmAffinity: 7,5.

Nota del blog: 7.

¿Te acuerdas de Dolly Bell?

1 May

“Y eso es el cine. Nada más que una prolongación de la infancia donde todo el mundo quiere ser más libre, todos quieren ser poderosos, todos quieren ser tan irresistiblemente atractivos como uno se pueda aguantar. O todo el mundo quiere tener camaradería y ser comprendido.”

Marlon Brando

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¿Te acuerdas de Dolly Bell?

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Te acuerdas de Dolly Bell

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Año: 1981.

Director: Emir Kusturica.

Reparto: Slavko Stimac, Slobodan Aligrudic, Ljiljiana Blagojevic, Mirsad Zulic, Mira Banjac, Boro Stjepanovic, Pavle Vujisic.

Tráiler

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            No importan la latitud o la altitud. Cualquier adolescente, de cualquier parte del mundo, tiene derecho a experimentar al menos un verano decisivo en su vida. Esta premisa tan cinematográfica es la que auspiciará el primer largometraje para el cine de Emir Kusturica, ¿Te acuerdas de Dolly Bell?. Será una puesta de largo propicia: el filme obtendría el premio de la Fipresci y el de mejor ópera prima en el festival de Venecia.

            Germen de su filmografía venidera, ¿Te acuerdas Dolly Bell? es una película donde conviven a partes iguales el costumbrismo y el surrealismo, el folklore y la fantasía, el humor y el drama, la vida y la muerte. Enclavada por su parte a medio camino entre Oriente y Occidente, la Sarajevo de los años sesenta, intermediada por los ojos de Dino (Slavko Stimac) -un chaval que se debate entre la pequeña delincuencia y la música, entre la ortodoxa doctrina marxista de su padre y las sugerencias metafísicas del hipnotismo, entre la infancia y la edad adulta-, esta Yugoslavia exótica se convierte sin embargo en un espacio tan extraño como reconocible. Aparte de las complejísimas particularidades del territorio balcánico, parece subyacer un sustrato común mediterráneo –felliniano, si se prefiere- que convierte el contexto vital de Dino, sus arquetipos locales y sus conductas existenciales, en un escenario extrapolable incluso a aquí mismo.

            Kusturica, que a buen seguro había rescatado numerosas vivencias privadas para conformar el guion y los personajes, narra con mirada tierna y comprensiva las aventuras y desventuras del adolescente enfrentado al amor y la muerte por primera vez, si bien no renuncia a infiltrar en sus anhelos y desvelos una maliciosa ironía, trazos de parodia político-cultural y hasta destellos de humor negro.

Se trata todavía de una obra algo deslavazada y dispersa, con el uso del montaje y elipsis un tanto brusco, pero ¿Te acuerdas de Dolly Bell? arroja ya una poderosa cosmovisión particular y una vigorosa sensibilidad personal a la hora de abordar los conflictos sociales, históricos y humanos de su tierra y que se irá desarrollando -y exagerando- a medida que avance su trayectoria como cineasta.

 

Nota IMDB: 7,8.

Nota FilmAffinity: 7,1.

Nota del blog: 7,5.

La mujer del chatarrero

22 Sep

“Cambio un Oso de Plata por una vida mejor.”

Nazif Mujic

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La mujer del chatarrero

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La mujer del chatarrero.

Año: 2013.

Director: Danis Tanovic.

Reparto: Nazif Mujic, Senada Alimanovic, Semsa Mujic, Sandra Mujic.

Tráiler

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            Si en La segunda mujer –por cierto, ganadora por votación popular de la XXXVI Semana Internacional de Cine de Autor de Lugo donde la vi, tomen nota de la reacción del público y/o de mis entendederas- hablábamos de cómo acumular tragedias sobre un personaje corría el riesgo de lastrar la credibilidad del filme, La mujer del chatarrero –cuarta en una clasificación de cinco, también detrás de El rayo y Gloriaofrece un excelente ejemplo de cómo se puede tratar un argumento crudísimo, a la par que pertinente, con absoluta, emocionante y reveladora naturalidad.

            La mujer del chatarrero relata la odisea mínima de Nazif Mujic, gitano y recolector de ferralla de un poblado bosnio dejado de la mano de Dios, por conseguir que operen a su mujer tras sufrir ésta un aborto natural, ya que ambos carecen de la preceptiva tarjeta sanitaria. Chatarra humana. La épica mísera del desheredado; aquella misma que ya reivindicaba el neorrealismo italiano a través de enseñas inmarcesibles como Ladrón de bicicletas. Esta premisa, que con medios, moralina y sentimentalismos podría fructificar en un John Q., se convierte en una estremecedora reflexión acerca de la deshumanización con la que el sistema (económico, se entiende, ¿acaso hay otro?) se impone sobre las personas hasta desguazar su dignidad.

            Danis Tanovic, en su día encumbrado gracias al Óscar a mejor película de habla no inglesa por la alegórica y comprometida En tierra de nadie –la película que derrotó a Amelie, que por entonces gustaba mucho, aunque ahora haya quien se avergüence de ello-, reverdecía sus laureles internacionales con un Gran premio del jurado en la Berlinale de 2013. Por medio de un estilo situado en la frontera entre realidad y ficción -guion tomado de hechos reales, cámara libre e imágenes inmediatas a las que no incluso no importa que las niñas rompan la teórica cuarta pared-, Tanovic se sirve de la espontaneidad de sus actores amateurs, intérpretes de la tragedia de su propia vida, para anclar la historia en una estoica cotidianeidad que, por veraz y reconocible, impregna quedamente a la denuncia de un devastador desaliento, reafirmado por el delicado recorrido cíclico con el que concluye la narración.

            Desde la austeridad y la sencillez, La mujer del chatarrero desnuda sin paliativos un atroz atentado contra los derechos humanos que, por desgracia, amenaza con ser moneda común también en los países desarrollados después de la infecta campaña contra el Estado del Bienestar propugnada desde el turbocapitalismo más estafador, mezquino y sádico. Con muy poco, el cineasta bosnio cuenta mucho. La obra también desgrana con una desarmante sutileza –aquella que echaba en falta precisamente el desgarrado desenlace de En tierra de nadie– las claves que, de manera particular (o no tanto), caracterizan al país balcánico, como la falacia del nacionalismo –la ingratitud hacia el combatiente- o el racismo solapado en la falta de oportunidades y derechos.

            La última lección del filme provendrá desde fuera de la pantalla. Una vez extinguidos los flashes, las sonrisas y los oropeles de su Oso de Plata, Nazif Mujic arremetía contra la fatua banalidad del cine, poco importa artístico o comercial. Hacinado junto a su familia en una habitación de 30 metros cuadrados en una residencia para refugiados en las afueras de Berlín, a la espera de asilo y trabajo, los premios y parabienes de nada le habían servido para encontrar una vida mejor. “No quiero que mis hijos digan: Éste es nuestro padre. Es el mejor actor, pero no nos ha dejado nada. Nada, excepto una estatuilla de un oso”, confesaba.

 

Nota IMDB: 6,8.

Nota FilmAffinity: 6,5.

Nota del blog: 8,5.

Welcome to Sarajevo (Bienvenido a Sarajevo)

21 May

“Estando en Dubrovnik me encontré con unos tipos bajando por una ladera. Eran los hijos de puta más duros que había visto nunca, una especie de pandilleros judokas croatas o algo así, y básicamente venían a matarme por estar con unas cachondas a mi lado. Estaban dispuestos a despedazarme, la situación tenía una tensión abrumadora. Pero uno de esos cabrones me reconoció de la televisión, o sea que al final acabamos tomando copas juntos. Juro que si no hubiera participado en Cheers habría muerto en una playa cualquiera en Croacia.”

Woody Harrelson

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Welcome to Sarajevo

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Año: 1997.

Director: Michael Winterbottom.

Reparto: Stephen Dillane, Emira Nusevic, Woody Harrelson, Goran Visjnic, James Nesbitt, Kerry Fox, Marisa Tomei.

Tráiler

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            La Guerra de Bosnia supuso la recaída de Europa, de Occidente, en una pesadilla que se creía olvidada. Un cruento conflicto en el mismo corazón del continente, una guerra civil producto del nacionalismo radical, con la población incluida como objetivo militar, campos de concentración y limpiezas étnicas más allá de lo aborrecible. La irracionalidad que se dijo era imposible que volviera se hacía de nuevo pavorosamente palpable, aunque no siempre desde la primera plana del telediario. Nadie quiere sufrimiento y dolor ensuciando su programa de entretenimiento.

Como ya había hecho un año antes Territorio comanche, veraz recreación de las memorias como corresponsal de guerra en los Balcanes de Arturo Pérez Reverte, el habitualmente plúmbeo Michael Winterbottom trasladaba su cámara, por medio del alter ego del cronista de guerra, a las ruinas aún humeantes de Sarajevo para diseccionar la sinrazón de la locura homicida entre hermanos, de un holocausto redivivo a las puertas del siglo XXI.

            El británico empeña toda la expresividad de su estilo para arrojar a la cara del espectador ese infierno cercano pero desconocido. La contraposición de un día de felicidad, la boda, con la mayor de las desdichas, la aparición casi arbitraria de la muerte, la capacidad del francotirador anónimo y oculto para disponer de una vida cualquiera a su antojo. El uso expresivo, decepcionado o vitriólico, de la banda sonora, siempre objeto de gran atención en el cine de Winterbottom. Las imágenes documentales, reales, que no solo no escatiman, sino que buscan herir la sensibilidad con un horror inconcebible.  A buena fe que lo consigue.

            Winterbottom sumerge a la platea en un tour de force que recorre una barbarie a la que fuerza a tener rostro humano, un espectáculo donde la frialdad profesional del informador no tiene cabida, donde las vísceras llaman a comportarse como un ser humano. Es la implicación de un periodista desde su carácter de carroñero –idéntica metáfora a la empleada visualmente por Oliver Stone en Salvador– al servicio de la frivolidad, hasta su toma de conciencia como necesario defensor de los valores humanos, sea a través de la utilidad pública de su trabajo, sea desde su implicación emocional con las víctimas sin culpa.

Lástima que no escoja para ello el drama de un personaje complejo e interesante como el chófer y combatiente Risto Babic (Goran Visjnic), jugosa traslación posible de todo el conflicto o de todo un pueblo, sino una historia de esas denominadas “de interés humano” como es la de la adopción de niños balcánicos, solución provisional para salvaguardar los rescoldos de su inocencia, el futuro de todo un país: un episodio secundario sentimentalista y algo romo que pasa al plano principal diluyendo el impacto y la solidez del conjunto para entregar a modo de conclusión un mensaje frustrantemente complaciente con el sobrecogido público occidental.

Durísima, aunque en parte desaprovechada.

 

Nota IMDB: 6,9.

Nota FilmAffinity: 6,6.

Nota del blog: 7.

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