Tag Archives: Alcoholismo

Siete psicópatas

25 Oct

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Año: 2012.

Director: Martin McDonagh.

Reparto: Colin Farrell, Sam Rockwell, Christopher Walken, Woody Harrelson, Abbie Cornish, Linda Bright Clay, Zeljko Ivanek, Tom Waits, Long Nguyen, Olga Kurilenko, Harry Dean Stanton, Amanda Warren, Gabourey Sidibe, Michael Stuhlbarg, Michael Pitt.

Tráiler

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          Bickle a un lado, Kieslowski al otro. En medio, el dramaturgo, director y guionista Martin McDonagh se debate entre el cine estadounidense y el europeo mientras sostiene un borrador sobre siete psicópatas al que quiere conferir entidad como película. Siete psicópatas es, pues, una obra fuertemente metalingüística en el que el proceso de creación del cineasta imprime su eco en los propios acontecimientos que ocurren en pantalla, tanto al estilo de los delirios cinéfilos autoconstruidos y autoconscientes de Jean-Luc Godard, como al de Charlie Kaufman en Adaptation (El ladrón de orquideas), Spike Jonze mediante. Los avatares de la página en blanco dan para un thriller.

          Siete psicópatas posee esa atmósfera desmitificadora y de jugueteo con los códigos genéricos que definía Escondidos en Brujas, donde McDonagh daba una vuelta de tuerca más a aquella mezcla de conversaciones cotidianas, inopinadas reflexiones existencialistas, observación cinéfaga, contraste violento e incluso estructura levemente capitular que Quentin Tarantino había popularizado en la década de los noventa. Pero a diferencia del sampleador compulsivo de Knoxville, el irlandés es menos reverente hacia cualquier tipo de referencia y se abre en mayor medida a reflexionar acerca de cómo la ficción cinematográfica parece condicionar la vivencia de la realidad, modelándola a partir de unos conceptos y filtros románticos o épicos -antirrealistas y repletos de tópicos nocivos- que el séptimo arte ha hecho prácticamente universales. De ahí las notas melancólicas que se filtran entre una superficie de negrísimo humor.

          Así, entre la espectacularidad que reclama Hollywood y las inquietudes de trascender a través del arte identificadas con la idea de autoría europea -una dualidad sostenida con meritoria naturalidad y equilibrio-, McDonagh va entregando un filme divertido a la par que introspectivo, con notables dosis de creatividad y dotado de personalidad y carisma, para lo que cuenta además con la ayuda de un reparto entonado -hasta vuelve a demostrar que puede dirigir a compatriota Colin Farrell-.

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Nota IMDB: 7,2.

Nota FilmAffinity: 6,3.

Nota del blog: 7,5.

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El asesinato de la hermana George

4 Sep

Robert Aldrich vuelve a la carga, una vez más, contra el showbusiness y su colección de juguetes rotos. El asesinato de la hermana George para la segunda parte del especial sobre el cineasta estadounidense en Cine Archivo.

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Un revólver solitario

12 May

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Año: 1956.

Director: Harry Horner.

Reparto: Anthony Quinn, Katy Jurado, Peter Whitney, Douglas Fowley, Whit Bissell.

Filme

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          Un hombre comparte su almuerzo con un perro callejero. Mira con desconfianza a los jinetes que se aproximan. “¿Quién es ese que está a las puertas de la taberna?”, pregunta el primero. “Solo un hombre. ¿A quién le importa?”, responde el otro.

Un revólver solitario explora el Oeste desde una perspectiva escéptica y agria, donde los mitos caen derribados por tipos que han aprendido a usar la pistola cinco años atrás y solo con el propósito de vengarse por unos hechos que ni siquiera se revelan, o que el propio finado ni siquiera parece recordar. Es un western donde el sheriff es un pobre diablo que carga con la placa a su pesar, donde los villanos crepusculares son tenderos ambiciosos y fanfarrones, y donde los pistoleros de ágiles muñecas solo aspiran a matarse ahogándose en whiskey. Un western donde el héroe, mexicano errante, naufraga entre la simplicidad, la timidez y la ebriedad, pues ni es pistolero ni es civil. Incluso aparecen ciertas alusiones temáticas a Los siete samuráis en el papel que desempeñan los aldeanos del villorrio decandente donde tiene lugar la acción, incapaces de afrontar sus miedos y desconfiados hacia quienes sí logran blandir un arma en su defensa.

          Lindante con la vertiente psicológica del género, en boga en la desquiciada década de los cincuenta -Katy Jurado bien lo sabía tras participar en la enseña de la corriente, Solo ante el peligro-, el de Un revolver solitario es, pues, un Oeste sumido en sombras de desencanto, desmitificación, amargura y desesperación. Después de la extraña presentación del protagonista, el linchamiento del sheriff lo confirma de la peor de las maneras con una escena de enorme agresividad por su sinrazón y por el patetismo de sus participantes.

          Película de serie B, el realizador de origen bohemio Harry Horner -padre del compositor James Horner y cuya carrera en el séptimo arte está más ligada al diseño de producción, cargo desde el que participa en otras obras turbulentas como El buscavidas o Danzad, danzad malditostraslada estas penumbras psicológicas al escenario ayudado por el director de fotografía Stanley Cortez, quien había creado un cuento expresionista con ellas en La noche del cazador. Un escenario que, además, filma generalmente mediante planos enteros y americanos.

          La estrechez de recursos y la distancia hacia los personajes confiere a la obra un aire un tanto estático o teatral. Un ambiente seco, hostil y aislante donde comparecen los conflictos internos de los personajes, relacionados también con estas sensaciones. El contrapunto lo ofrece el personaje de Jurado en un papel de mujer madura, fuerte y potencialmente redentora que, a pesar de esta solidez de base, posee una evolución un tanto más desdibujada. Aunque no es la mejor interpretación de Quinn, la bastedad, la ternura y la desorientación que despierta su rostro, sus gestos, su tozudez y su determinación, sustentan un argumento que en ocasiones echa en falta mayor firmeza narrativa, pues parece caer en redundancias y vacíos a pesar de sus breves 80 minutos de función.

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Nota IMDB: 6,5.

Nota FilmAffinity: 5,7.

Nota del blog: 6,5.

Lo tuyo y tú

21 Nov

lo-tuyo-y-tu

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Año: 2016.

Director: Sang-soo Hong.

Reparto: Kim Joo-hyuck, Lee You-young, Kwon Hae-hyo.

Tráiler

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           Las películas de Hong Sang-soo poseen un aura especial y fascinante, destinada a reventar las fronteras. Las fronteras entre la realidad y la ilusión, entre la apariencia leve y la profundidad reflexiva, entre el tono naif y la agudeza analítica, entre el humor y la tragedia, entre la tradición y la experimentación. Dicotomías que caen hacia uno y otro lado de la línea central que surca el relato: la que divide a los protagonistas entre la realización o el fracaso amoroso.

En el penúltimo filme del cineasta, Antes sí, ahora no, esta división se trasladaba incluso a los códigos cinematográficos y dramáticos, ya que a una primera narración sobre un encuentro romántico se le enfrentaba una segunda mitad que enmendaba a la anterior o, cuanto menos, la reensayaba desde una mirada diferente que, a la postre, afectaba a la lectura de la obra en su totalidad; en su aspecto artístico y existencial.

           En Lo tuyo y tú, Hong abunda en esta inquietud emocional a través del dilema de un hombre que rompe con su novia tras echarle en cara su afición al alcohol, alimentada además por los rumores de su círculo de amistades. De esta manera, prosigue su exploración de los mecanismos que rigen las relaciones románticas empleando para ello a unas criaturas extrañas pero que, no obstante, se mueven por sentimientos y reacciones universales y reconocibles, profundamente convencidas ellas de que el amor es el sentido único de la vida.

           El director y guionista expone entonces este objetivo amoroso como un camino inevitablemente patético y espinoso en el que es obligado hacer un esfuerzo descomunal para vencer las barreras existentes, levantadas por las dudas y prejuicios propios, los defectos ajenos y los condicionantes sociales y ambientales.

Un trayecto privado que, además, tiene bastante de engaño autoinducido o de necesidad voluntaria, dado que, desde una perspectiva personal, es imposible saber a ciencia cierta si está realmente justificado, mientras que desde un punto de vista ajeno la locura del amor resulta difícilmente comprensible. Más aún teniendo en cuenta que ese recorrido conduce a un desenlace siempre incierto, precedido de encrucijadas que prometen mil universos posibles, y que en último término también será siempre imperfecto o incluso incompleto, por mucho que se insista en idealizar tanto el concepto de Amor como el ‘objeto’ sobre el que se proyecta: la pareja.

           En resumidas cuentas, Lo tuyo y tú no deja de ajustarse, por así decirlo, a los parámetros clásicos de toda historia, en el sentido de que su protagonista debe emprender un viaje transformador, si bien con la huella estilística del autor surcoreano perfectamente palpable en esas conversaciones de apariencia improvisada e incluso un tanto teatral, en la importancia idéntica de los hechos reales y las situaciones deseadas, manifestada en la forma de plasmarlas ambas con apenas distinciones, o en los chispazos de desconcertante excentricidad que irrumpen en medio de la cotidianeidad de la puesta en escena -dos ejemplos esenciales: la alusión a la madre moribunda y la permanente desorientación que produce el personaje femenino; los dos con su relevancia narrativa y auténtica en entredicho-.

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Nota IMDB: 6,7.

Nota FilmAffinity: 6,2.

Nota del blog: 7,5.

Aflicción

13 Oct

Aflicción, el perro apaleado de Dios. El triunfo de Paul Schrader como director, conectado troncalmente con la línea de su obra, para el especial que le dedica Cine Archivo.

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El camino de Cutter

13 Abr

“Hay una cosa difícil de perdonar, que es la impunidad: que la gente cometa atrocidades y queden impunes.”

Luis Tosar

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El camino de Cutter

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El camino de Cutter

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Año: 1981.

Director: Ivan Passer.

Reparto: Jeff Bridges, John Heard, Lisa Eichorn, Ann Dusenberry, Stephen Elliott.

Tráiler

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            Maneja mimbres atractivos El camino de Cutter. Una intriga en la que un nihilista veterano de Vietnam decide vengarse de “todos los hijos de puta del mundo”, impunes gracias a su posición en lo alto de la pirámide plutócrata. Una evocación de la sensibilidad del cine negro de los años cincuenta con sus perdedores irredentos, sus descapotables, la mugre de la ciudad y el desengaño frente a un sistema injusto diseñado para favorecer a los de siempre.

Señas inconfundibles de un género que, desde este neonoir de los ochenta, se complementan con una visión todavía más cruda de la sordidez que domina el fin del sueño americano, especialmente manifiesta en los tiempos turbios de posguerra –sea la Segunda Guerra Mundial, sea Vietnam– donde se constata que el sacrificio en aras de unos presuntos ideales es una simple falacia de nuevo a la medida de la recua de bastardos que parten el bacalao.

            Sin embargo, bajo la dirección del checoslovaco Ivan Passer, un argumento interesante de inicio y unos personajes carismáticos terminan perdiendo garra bajo el peso de escenas alargadas en exceso y un pulso narrativo desmayado. La rebelión contra todo que emprende este tullido, metido a detective por puro rencor en el caso del asesinato sexual de una muchacha, se ahoga en vertientes melodramáticas que no consiguen explotar su potencial –el triángulo amoroso- y en parlamentos que redundan una y otra vez sobre ideas ya abordadas.

Se desaprovecha además el buen trabajo de John Heard y Jeff Bridges como estos dos amigos envueltos en una relación tortuosa, autodestructiva y malsanamente fiel que sirve para desgranar paulatinamente la cara negra de los Estados Unidos; un país que es todo imagen publicitaria, desde su desigual sociedad hasta su misma historia –el trato a los indios- o su autoproclamada naturaleza como tierra prometida, sea en el aspecto económico o el afectivo.

            Hay desencanto y melancolía en El camino de Cutter, y se aprecia complejidad y contradicciones en las criaturas que la sufren, embarcados en una perpetua huida –de su maltrecha realidad, del compromiso, de sus sentimientos,…-. Pero estas buenas condiciones previas quedan enterradas en un cierto aburrimiento que ni siquiera consigue rescatar un desenlace sugerente en su arrebatado y obsesivo delirio, por fin atronadora y coherente muestra de viveza acorde al espíritu del protagonista.

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Nota IMDB: 6,9.

Nota FilmAffinity: 5,9.

Nota del blog: 4.

Quemar después de leer

3 Abr

“La estupidez es infinitamente más fascinante que la inteligencia. La inteligencia tiene sus límites, la estupidez no.”

Claude Chabrol

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Quemar después de leer

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Quemar después de leer

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Año: 2006.

Directores: Joel Coen, Ethan Coen.

Reparto: Frances McDormand, George Clooney, John Malkovich, Brad Pitt, Tilda Swinton, Richard Jenkins, Elizabeth Marvel, Oleg Krupa, J.K. Simmons.

Tráiler

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            “¡Aquí parece que follan todos con todos!”, exclama perplejo un oficial de la CIA cuando trata de explicarle a su superior el tremendo embrollo en el que se ha convertido la trama de Quemar después de leer. “Vuelve a informarme cuando algo de esto tenga sentido”, le responde su jefe, todavía más desconcertado ante estos hechos y la conexión que, aparentemente, parece encadenarlos a lo largo de una espiral delirante.

Da cuerpo a Quemar después de leer ese recurrente efecto bola de nieve coeniano que, a partir de una mezquindad nimia, desencadena una tormenta de consecuencias que sobrepasa en mucho las capacidades de aquellos que se ven arrastrados por ella. Es decir, esa misma situación que, entre otros, en Sangre fácil convertía un supuesto ejercicio de suspense criminal en comedia absurda con una venganza por cuernos como semilla, que en Fargo conducía a la perdición a un inútil vendedor de coches que intentaba librarse de la asfixia de su suegro secuestrando inocentemente a su propia cónyuge o que en El gran Lebowski zarandeaba al pobre Nota de un lado a otro de Los Ángeles, en medio de una trama hitchcockiana, en busca de una alfombra que daba ambiente a la casa.

Un artefacto que, en definitiva, va rotando paulatinamente hasta apuntar ese mismo absurdo desmitificador hacia la esencia de los Estados Unidos, en esta ocasión concentrados bajo la sombra de otro icono más: las oficinas de la Agencia Central de Espionaje en Langley, Virginia. Y, a la par, los cáusticos hermanos se embarcan en el desmantelamiento del thriller de espías empleando para ello sus propias armas –la ambientación, la música, los retorcidos giros de guion-.

            Esta vez, el precipitante que incendia por completo la anodina vida de los personajes es la obsesión de Linda Litzke (Frances McDormand), la solterona empleada de un gimnasio local, por realizarse varias operaciones de cirugía estética. Un deseo trabado por la falta de dinero que choca de frente con la frustración y el alcoholismo del recién despedido agente de codificación en el sector balcánico Osborne Cox (John Malkovich), plasmado en unas memorias sobre sus misiones en la CIA que, caprichos del destino y de los cineastas, acaban en manos de una panda de merluzos.

En el núcleo de Quemar después de leer residen por tanto conceptos como el culto al cuerpo, el infantilismo del pensamiento positivo, la avidez materialista, la egolatría burguesa, la falacia del matrimonio o el desengaño frente a la cultura del éxito,… a través de los cuales se caricaturiza este modelo de sociedad americana construida sobre la idiocia, tan peligrosa para uno mismo como para sus semejantes –como ejemplifica el apocado responsable del gimnasio (Richard Jenkins), a priori el más sensato, impulsado incluso por ideales nobles como el amor, y a la postre el más patético de todos, por ser el más apegado a la realidad y en el que más se puede reconocer el espectador medio-.

            Aunque también trabajados al detalle, sus resultados, en cualquier caso, distan mucho de la pluscuamperfecta El gran Lebowski, donde todo funcionaba con precisión de relojería. La comedia de enredo se enreda en el exceso y se mete en un atolladero de donde sale con muchísimas dificultades, provocando que el equilibrio humorístico y argumental del filme se resienta a pesar de los esfuerzos de su estelar elenco. El incendio desatado se enfría en las idas y venidas de los personajes y el punch cómico de la película pierde fuelle, ahogado un tanto por el cúmulo de locuras e insensateces soportado. Incluso el humor negrísimo del cierre irrumpe ya demasiado a contrapié, dadas las circunstancias.

             “¿Qué coño hemos aprendido, Palmer?”, se termina interrogando el alto mando de la CIA, también abrumado por la violencia vitriólica y descontrolada de la trama.

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Nota IMDB: 7.

Nota FilmAffinity: 6,5.

Nota del blog: 6.

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