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Año: 2019.
Director: Sam Mendes.
Reparto: George MacKay, Dean-Charles Chapman, Colin Firth, Andrew Scott, Robert Maaser, Mark Strong, Richard McCabe, Anson Boon, Nabhaan Rizwan, Claire Duburcq, Benedict Cumberbatch, Adrian Scarborough, Richard Madden.
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Podría concluirse que el cine bélico aborda su principal objetivo, hacer sentir al público el horror de la guerra, a través de dos vías: la espectacular, que pretende sumergirle a uno en el terrible fragor de la batalla, y la íntima, que es la que trata de que asimile el estado psicológico y emocional del combatiente. Una no tiene por qué ser excluyente de la otra, pero no es fácil conjugarlas de forma equilibrada. Quizás Apocalypse Now sea la experiencia inmersiva más profunda jamás lograda en el género. Ni siquiera requiere de grandes enfrentamientos, entendidos como coreografiados movimientos de masas, explosiones tremebundas o sangre salpicando el objetivo -con la excepción de la delirante cabalgata de las valkirias a orillas del Nùng-. En resumen, no es una experiencia meramente sensorial -con unos cánones marcados para el cine contemporáneo por la media hora inicial de Salvar al soldado Ryan-, sino que se vive como una alucinación que perturba víscera y mente, y que consigue hacer buena la máxima de que el infierno es la imposibilidad de la razón. En un paso más en dirección divergente, La delgada línea roja podría verse como una búsqueda estricta de la experiencia espiritual.
Entiendo que intentar rodar una película bélica prácticamente en un plano secuencia -si bien con un par de cortes de montaje disimulados para no romper la ilusión de continuidad- aspira a construir esta experiencia inmersiva en la que el espectador se olvide de que está cómodamente sentado en una butaca y perciba el aguijonazo del miedo, de la adrenalina, de la confusión, del puro instinto de supervivencia en un escenario por completo hostil a la humanidad y a la vida. Expiación, más allá de la razón o Dunkerque lo afrontaban en parte, esta última con un mal ejemplo del empleo del aplastamiento mediante los estímulos sensoriales -el sonido que destroza los tímpanos-. Aunque estas muestras parciales son cada vez más abundantes en un cine reciente que concede enorme prestigio a este recurso. Y, en paralelo, Stanley Kubrick ya había sentado cátedra sobre cómo expresar la angustia de las trincheras de la Primera Guerra Mundial a través de rotundos travellings -la presente parece citar asimismo a Senderos de gloria por medio de una canción impropia de semejante atmósfera-.
Así pues, Sam Mendes, cineasta que en Jarhead había ensayado un retrato personal del marine estadounidense como individuo relativamente común sometido a una situación extrema, se lanza a por el plano secuencia completo en 1917, en la que recoge la esencia de las historias de su abuelo, el escritor Alfred H. Mendes, condecorado en dicha contienda, para arrojar su propia reconstrucción del infierno sobre la Tierra, ajeno a romanticismos, nostalgias o glorias de ningún tipo, por más que pueda sugerirlo el hecho de que se inspire en unas memorias.
Sin embargo, este complicado alarde técnico no es imprescindible para invocar un descenso a los infiernos. En el caso de las películas bélicas itinerantes, aparte de la citada Apocalypse Now, también se puede acudir a estremecedores tours de force de otras latitudes como Nobi (Fuego en la llanura) o Masacre: ven y mira, que extraen su atronador poder de su capacidad para plasmar la sinrazón más absoluta. En 1917, este poder parece asomar en los paisajes fantasmagóricos, casi extraterrestres, que atraviesan los dos soldados a los que se envía en una dudosa misión para alertar a un regimiento de que no caiga en la trampa de los alemanes y su retirada estratégica. Frente a ello se contrapone el contraste de sus rostros jóvenes, inocentes, sufridos, desesperados; humanos en definitiva, así como de los puntuales e inesperados oasis de esperanza con los que se topan -los cerezos, la mujer-. El segundo resulta un tanto forzado, pero contiene momentos de agradecida delicadeza.
Por su parte, el plano secuencia no se traduce exactamente como esa mirada naturalista que podría corresponderse con la ausencia de artificios fundamentales en el lenguaje cinematográfico -el montaje, la elipsis-. Con constantes cambios de altura de la cámara, que llega a situarse con frecuencia por encima de los protagonistas o a ras de suelo, no se diría que son ojos humanos los que miran. Tampoco es un plano secuencia discreto, dado que insiste en revolotear alrededor de la cabeza de los personajes, evidenciando la presencia de una dirección artística, de esa creación artificial. Quebrando el encantamiento. Dejando fría la narración y el infierno que describe, a pesar del buen manejo de la tensión a lo largo de las dos horas de metraje y del punzante frenesí bélico de algunas escenas.
De esta manera, cabe recordar la potencia dramática, simbólica y reflexiva de una imagen compuesta con talento e intuición: en Uno rojo, división de choque, un Cristo cegado ante un campo sembrado de cadáveres, bajo cuya efigie se produce la muerte más absurda de todas, le bastaba a Samuel Fuller para condensar la Primera Guerra Mundial y anticipar su ampliación en otros lugares y otros tiempos.
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Nota IMDB: 8,7.
Nota FilmAffinity: 8,2.
Nota del blog: 6,5.
elcriticoabulico 
Película muy discutible. No sé puede supeditar todo a un alarde técnico.
A mí es que me extraña mucho el entusiasmo casi generalizado con el que se le ha recibido, no sé si por el calor de la sorpresa de los Globos de Oro. A mí me deja tirando a frío cuando entiendo que la intención de contarlo de esta precisa manera busca todo lo contrario.
He de decirte que yo tengo cierto prejuicio hacia el cine belico. Y no sólo porque odie la guerra, el ejército y las armas. El cine belico rara vez ha adoptado el enfoque adecuado. Salvo los ya señalados casos de cine antibelicista, siempre hay o falta de imparcialidad o exceso de triunfalismo patriotero. Además, como en la guerra no hay reglas, muchos directores sin talento se aprovechan y lo limitan todo a un espectáculo confuso de pirotecnia y saturación de efectos de sonido. Las que más me gustan (más allá de la entretenidisima «Doce del patíbulo» y de la carismática «Patton») son las de Kubrick, Losey, Spielberg (parcialmente, no hablo de «1941» pese a que no es nada desdeñable) y la de Lean-Coward. Y también me gusta mucho «El puente» de Bernard Wickhi. También es muy buena «El pianista» de Polanski. Todas ellas por su enfoque humanista y realista, lejos de miradas apologéticas.
Pero «1917» ha gustado a algunos por lo de la virgueria técnica, algo que a mí me parece una soplapollez. No le des vueltas, Victor. Me hace gracia que directores buenos pero que tienen mucho que aprender de los maestros, se metan a dárselas de geniecillos, como si ya no les quedara más desafío en la vida que epatarnos con un artificio técnico. Si te llamaras John Ford o Alfred Hitchcock (que ya lo hizo en «La Soga») se podría comprender. Pero en un director como Sam Mendes que todavía tiene tantas cosas que demostrar es francamente incomprensible.
Un abrazo.
Tampoco es mi género favorito, la verdad. Y, en cuanto a la virguería técnica, ni siquiera me parece que esté bien aplicada. Le sobra barroquismo. Yo creo que tanto movimiento caprichoso rompe la identificación. Pero también hay mucha gente que se ha metido de lleno en ella, o sea que no sé…
El abuso de un recurso genera justo el efecto contrario que promueve. A mí me sucedió con, por ejemplo, El hijo de Saúl. Todo lo contrario en Hijos de los hombres, en la que los dos impresionantes planos secuencia atesoran lógica y fundamento. En la acera contraria estaría el abuso de homilía y pedantería pseudo intelectual del sacerdote Malick, que en moderadas dosis podría generar efecto, pero extendida se hace estomagante. Veremos a ver cuando la veo. Por cierto, he leído maravillas de El faro. La habéis visto?
Me ocurre lo mismo que a ti en 2017, aunque en El hijo de Saúl sí que me funcionaba de forma mucho más efectiva, creo que los movimientos de la cámara eran más naturales. Otra cosa es que te fatigue que se empleen durante tanto tiempo.
Pues es curioso, yo he oído prácticamente lo contrario sobre El faro y, de hecho, me desanimaron para acercarme a verla.
No puedo estar más de acuerdo contigo, Altaica. La historia no puede supeditarse a la técnica. Más bien debería de ser siempre al revés. No tiene ningún sentido limitarse a utilizar un único recurso para demostrar no se sabe qué cuando el cine es un arte plagado de recursos estéticos y narrativos apropiados que aportan soluciones variopintas de todos los gustos y colores para resolver escenas concretas.
En cuanto a «El Faro», si te gusta el mundo marino y de los viejos lobos de mar supongo que te gustará. En este aspecto incluso se pasa un poco de tópica. Pero no sabría qué decirte. Me resultó una película de cierta garra narrativa, pero con historia un tanto anecdótica y en ocasiones estridente. En cualquier caso, desde luego, verla no es dinero tirado, como pasa en tantas y tantas ocasiones.
Un abrazo.